martes, 23 de agosto de 2011
TERCERA LLAMADA PROGRAMA RADIAL TEATRO GUATEMALTECO TGW
HOY EN TERCERA LLAMADA LOS JÓVENES ACTORES ANTOINE GELY Y VICTOR LEAL, DE INTRUSIONES EN EL OJO AJENO. NO SE LO PIERDAN: TGW 107.3, www.radiotgw.gob.gt, 7 pm TERCERA LLAMADA CONDUCIDO POR René Estuardo Galdámez, Yara Contreras y Nelly Castillo, producido por Luis Morales. Columna de Mercedes Blanco.
viernes, 12 de agosto de 2011
PADRE PEDRO ESTRENO OBRA AGOSTO 2011 TEATRO ARGENTINO
CORDIALMENTE INVITADOS
ESTRENO
PADRE PEDRO
Hora
Sábado, 20 de agosto a las 21:00 - 21 de agosto a las 0:00
Lugar
Teatro de los sueños- Centro cultural J. Lynch
Bragado y Polonia (Alt.Avda. Mitre 5800)
Wilde (Wilde, Buenos Aires)
Argentina
EL TEATRO BOLIVIANO DESDE DENTRO. LOS B. TEATRO BOLIVIA 2011
EL TEATRO BOLIVIANO
DESDE DENTRO
A continuación un fragmento de la colaboración
de Ricardo Bajo para
el Periódico Boliviano Cambio
si deseas leerlo completo
visita el link de enlace al final
‘Los B’: los restos del naufragio neoliberal
Lecturas
‘Los B’ tiene un reparto actoral de lujo. Son siete. Son un coro, sin estrellas, sin protagonismos, sin egos. Todos remando en la misma dirección. Norma Quintana es la abuela, Consulesa, refugiada en su religión, decidida a destinar la herencia a los pobres, para escándalo hipócrita de todos...
‘Los B: apolíticas consideraciones sobre el nacionalismo. Volumen I’. El teatro boliviano reflexiona sobre el pasado y la decadencia. Está en el Centro Sinfónico de La Paz.
Ricardo Bajo H.
Director de Le Monde
Diplomatique para Cambio
4.- El sótano: en La Paz y en Bolivia en general, no hay escenarios propiamente teatrales. Antes era comprensible, teníamos obras de pascuas a Ramos, exclusivamente en temporada de festivales. Más nada. El boom de compañías, grupos, actores, escritores y técnicos ha sido silencioso, meritorio, esperanzador. El nivel del teatro boliviano con la llegada de una savia joven talentosa se ha incrementado. Comienza a existir una pequeña costumbre de ir al teatro. Es la necesidad atávica, desde Grecia y desde nuestros universos indígenas particulares, por vernos, por sentirnos, por intentar comprendernos. Es una gesta con poco acompañamiento del Estado, con escaso apoyo privado. Por eso es una hazaña. No hay un teatro o sala estable en buenas condiciones (de tamaño, de comodidad) en toda Bolivia. Por eso, los hombres y mujeres del teatro nuestro acuden al ingenio, a la búsqueda, a la imaginación...
5.- ‘Los B’ no sólo es teatro. También, por si fuera poco, es un proyecto artístico multimedia con proyección audiovisual durante la obra. La dirección en este campo recae sobre el director de cine Diego Mondaca, autor del documental —y a la espera pronta del estreno de otro documental, Ciudadela. Mientras los personajes hablan, callan (hay unos cuantos silencios en la obra que no callan nada, que gritan desazón), se mueven, beben y se pelean, una pequeña pantalla nos ofrece un “acompañamiento” audiovisual de la obra con planos detalle (me encantó el pescado muerto fresco sobre la bandeja y sus múltiples lecturas metafóricas), con secuencias de la obra, con los tiempos congelados, detenidos como la familia B.
6.- ‘Los B’ es teatro político. A pesar de su título: Apolíticas consideraciones sobre el nacionalismo, volumen I. Es el teatro político de la cotidianeidad, en una sociedad altamente politizada, donde desayunamos, almorzamos y comemos politiquería. La obra trata de responder a una pregunta inquietante que jamás la historia o la sociología política responderá: ¿qué pensaban los políticos y empresarios en plenos ochenta, cuando nos dejábamos llevar por el desenfreno neoliberal y privatizador? ¿Qué decían las elites arcaicas en sus almuerzos, en sus reuniones familiares? ¿Qué falsas ilusiones alimentaban los senadores como Thomas B, uno de los protagonistas de la obra? En resumidas cuentas, cuando se miraban al espejo en sus soledades multitudinarias, veían decadencia, soledad, nihilismo, llanto y muerte, anticipando por años la derrota final, el triunfo de la potencia plebeya largamente ignorada, invisibilizada, como la sirvienta ausente.
FUENTE
http://www.cambio.bo/noticia.php?fecha=2011-07-12&idn=49515
DESDE DENTRO
A continuación un fragmento de la colaboración
de Ricardo Bajo para
el Periódico Boliviano Cambio
si deseas leerlo completo
visita el link de enlace al final
‘Los B’: los restos del naufragio neoliberal
Lecturas
‘Los B’ tiene un reparto actoral de lujo. Son siete. Son un coro, sin estrellas, sin protagonismos, sin egos. Todos remando en la misma dirección. Norma Quintana es la abuela, Consulesa, refugiada en su religión, decidida a destinar la herencia a los pobres, para escándalo hipócrita de todos...
‘Los B: apolíticas consideraciones sobre el nacionalismo. Volumen I’. El teatro boliviano reflexiona sobre el pasado y la decadencia. Está en el Centro Sinfónico de La Paz.
Ricardo Bajo H.
Director de Le Monde
Diplomatique para Cambio
4.- El sótano: en La Paz y en Bolivia en general, no hay escenarios propiamente teatrales. Antes era comprensible, teníamos obras de pascuas a Ramos, exclusivamente en temporada de festivales. Más nada. El boom de compañías, grupos, actores, escritores y técnicos ha sido silencioso, meritorio, esperanzador. El nivel del teatro boliviano con la llegada de una savia joven talentosa se ha incrementado. Comienza a existir una pequeña costumbre de ir al teatro. Es la necesidad atávica, desde Grecia y desde nuestros universos indígenas particulares, por vernos, por sentirnos, por intentar comprendernos. Es una gesta con poco acompañamiento del Estado, con escaso apoyo privado. Por eso es una hazaña. No hay un teatro o sala estable en buenas condiciones (de tamaño, de comodidad) en toda Bolivia. Por eso, los hombres y mujeres del teatro nuestro acuden al ingenio, a la búsqueda, a la imaginación...
5.- ‘Los B’ no sólo es teatro. También, por si fuera poco, es un proyecto artístico multimedia con proyección audiovisual durante la obra. La dirección en este campo recae sobre el director de cine Diego Mondaca, autor del documental —y a la espera pronta del estreno de otro documental, Ciudadela. Mientras los personajes hablan, callan (hay unos cuantos silencios en la obra que no callan nada, que gritan desazón), se mueven, beben y se pelean, una pequeña pantalla nos ofrece un “acompañamiento” audiovisual de la obra con planos detalle (me encantó el pescado muerto fresco sobre la bandeja y sus múltiples lecturas metafóricas), con secuencias de la obra, con los tiempos congelados, detenidos como la familia B.
6.- ‘Los B’ es teatro político. A pesar de su título: Apolíticas consideraciones sobre el nacionalismo, volumen I. Es el teatro político de la cotidianeidad, en una sociedad altamente politizada, donde desayunamos, almorzamos y comemos politiquería. La obra trata de responder a una pregunta inquietante que jamás la historia o la sociología política responderá: ¿qué pensaban los políticos y empresarios en plenos ochenta, cuando nos dejábamos llevar por el desenfreno neoliberal y privatizador? ¿Qué decían las elites arcaicas en sus almuerzos, en sus reuniones familiares? ¿Qué falsas ilusiones alimentaban los senadores como Thomas B, uno de los protagonistas de la obra? En resumidas cuentas, cuando se miraban al espejo en sus soledades multitudinarias, veían decadencia, soledad, nihilismo, llanto y muerte, anticipando por años la derrota final, el triunfo de la potencia plebeya largamente ignorada, invisibilizada, como la sirvienta ausente.
FUENTE
http://www.cambio.bo/noticia.php?fecha=2011-07-12&idn=49515
jueves, 11 de agosto de 2011
ENTREVISTA A VERÓNICA BUJEIRO (DRAMATURGA MEXICANA)
ENTREVISTA A VERÓNICA BUJEIRO
(Dramaturga Mexicana)
1. ¿En qué momento nace tu vocación por el teatro?
Desde muy joven fui espectadora de teatro y en verdad lo disfrutaba muchísimo. Sin embargo, nunca creí dedicarme a esto. Fue una serie de accidentes afortunados los que me llevaron a mi actual profesión. Cuando estaba saliendo de la escuela de cine, donde estudié guión cinematográfico, resulté finalista de un concurso nacional de dramaturgia y a partir de entonces me cuestioné si realmente lo mío era el cine y resultó que no, que lo mío es en realidad la escritura para la escena teatral. Siento que es un lugar más propicio para el tipo de preocupaciones y estética que persigue mi escritura. El tipo de juego que el teatro me facilita difícilmente podría realizarlo en cine, simplemente porque el teatro posee un código que me permite ciertas libertades simbólicas que el cine por ser realidad contra realidad jamás aceptaría.
2. ¿Podrías decirnos, según tu opinión, cuáles podrían ser las cinco obras de teatro mexicano de este nuevo siglo XXI que son de lectura (o ver representado) inexcusable para cualquier espectador, sea este de Guatemala o del resto de Latinoamérica?
“Las chicas del 3.5 floppies” de Luis Enrique Gutiérrez Ortiz Monasterio
“El cielo en la piel” de Edgar Chías dirigida por Mahalat Sánchez
“Los prohombres” de Noé Morales Muñoz dirigida por Ginés Cruz
“Desaire de elevadores” escrita y dirigida por Alberto Villarreal
“Los insensatos” escrita y dirigida por David Olguín
3. ¿Qué opinión tienes acerca del teatro latinoamericano de este inicio de siglo?
Es un teatro que se arriesga, tanto en lo escénico como en lo textual. Está en cuestionamiento permanente y me parece que eso es lo que lo mantiene vivo. Atrás ha quedado el estigma de ser un teatro menor comparado con el Europeo y el Norteamericano. En la medida en la que hemos dejado de estar atados al costumbrismo y al folclore local, es que hemos adquirido un nombre propio.
4. ¿El teatro de tu autoría, cómo se nutre estéticamente de un espacio tan diverso en lo cultural como el de México?
México es un lugar que para mí convive con el absurdo de manera muy natural. Quizás no para todos es evidente, para algunos es hasta debatible, pero mi escritura se nutre principalmentede de ese punto de vista. Un absurdo cómico, pero que también es bastante trágico. Basta con ver algún periódico de mi país para detectarlo. La contradiccón entre los discursos del poder y los civiles comenzaría por dar alguna pista.
5. ¿En una entrevista realizada, reconocías que en México existía un apoyo amplio (comparado con otros países de Latinoamérica) para las propuestas teatrales, eso implica entonces que la realización teatral mexicana podría constituirse en un referente para el Teatro Latinoaméricano?
Precisamente el apoyo que tiene mi país en cuestiones culturales nos da presencia y no me parece que pese a ello sea una presencia gratuita. El apoyo gubernamental es indispensable para un montaje, pero no es lo que consolida finalmente la propuesta. Sí me parece que el teatro mexicano sea actualmente un referente para latinoamérica en tanto que sus creadores están en permanente búsqueda, cuestionamiento y renovación de sus propios lenguajes escénicos.
6. Precisamente estos últimos días presentaste una nueva publicación que reúne obras teatrales de tu autoría. A partir de esto. ¿Que opinas del teatro en libro impreso? ¿Libro impreso vrs. Libro digital?
Prevalecerá por siempre el amor y el fetichismo hacia el libro impreso, aunque el problema de la distribución nos condicione a una limitación casi implícita. Lectores de teatro hay pocos y si el libro digital, con su distibución inmediata y masiva, permite llegar a esos justos lectores interesados, bienvenido sea.
7. ¿Crees que existe Teatro Light en Latinoamérica? El dramaturgo argentino Hector Oliboni, lo describe como Teatro Liviano. ¿Si existe, qué opinión te merece?
Existe y me parece que siempre existirá, ya que responde a cierta demanda de público. Pueden existir propuestas ligeras que sólo pretendan entretener y no me parece que sea malo, pero si está tocada por un cierto resabio televisivo es letal.Tanto programadores como incluso el mismo público considera que un teatro más fácil de digerir es aquel que se encuentra contaminado por el lenguaje de la televisión. En mi opinión los que hacemos teatro siempre debemos de defender su código que siempre va a ser muy distinto y superior a las necesidades comerciales de la televisión.
8. ¿Has leído, visto representado, o escuchado, acerca de algún dramaturgo de Guatemala?
Me da pena decir que no, pero es verdad. Disculpen mi ignorancia.
9. ¿Verónica a partir de tus experiencias en el proceso de la realización teatral, cuáles serían las coincidencias del teatro de la región latinoamericana?
Hay una búsqueda de representación de realidad inegable y para llevarla a cabo ya no se utiliza el espejo y en eso coincido. En la búsqueda de un lenguaje propio, para hablar sí de lo que estamos hechos como naciones, pero también como individuos que ya están marcados por el efecto de la globalización.
10. ¿Qué obra de tu autoría, te agradaría que se representara en Guatemala, y porqué?
“La inocencia de las bestias”, que pese a su estética extraña y animal, es una visión muy peculiar acerca de la familia, un tema que nos atraviesa continentalmente.
11. ¿Qué frase, o expresión podría sintetizar tu trayectoria hasta el momento en el arte dramático?
Deleite y lucha constante. Prohibido detenerse.
12. ¿Qué obras de teatro contemporáneo realizada por dramaturgas mexicanas recomendarías?
“Yo también quiero un profeta” de Ximena Escalante, “Santificarás las fiestas” de Conchi León, “La navaja en el espejo” de Mariana Hartasánchez Frenk y “Sánchez Huerta” de Claudia Ríos, entre otras.
13. Algún comentario final que quisieras agregar.
Muchas gracias por su interés en mi trabajo. Envíenme información sobre el teatro en Guatemala para salir de mi ignorancia, por favor.
Contacto:
Twitter: @vbujeiro
Página web: www.dramaturgiamexicana.com/vbujeiro
Fotos Cortesía de Verónica Bujeiro. (Obras: "Blenda" y "Nada es para siempre")
BREVE BIOGRAFIA
(fuente: http://www.dramaturgiamexicana.com/autores.php?id=47 )
Veronica Bujeiro
México, Distrito Federal
Egresada de la Licenciatura en Lingüística de la ENAH y del Curso de Guión del CCC, viró su destino hacia el teatro cuando el fallo de un Premio Nacional (“Gerardo Mancebo del Castillo”, 2002) la declaró finalista. Cauce natural para las contradicciones que la habitan, su formación teatral se ha llevado a cabo bajo la tutela y generosidad de Ximena Escalante, David Olguín, Boris Schoemann, Perla Szuchmacher y Marco Antonio de la Parra. Ha sido becaria del IMCINE, FONCA, la FUNDACIÓN PARA LAS LETRAS MEXICANAS Y FONCA-LARK PLAY DEVELOPMENT CENTER. Es ilustradora de ocasión.
2do FORO PRODUCCION ESCÉNICA EN IBEROAMERICA 2011 ARGENTINA
Encuentro internacional
2º Foro sobre la Producción
Escénica en Iberoamérica
Un puente entre la formación y la profesionalización del sector
Buenos Aires. 5 al 10 de diciembre de 2011
El anhelo de lograr productos escénicos de mayor calidad, el esfuerzo por optimizar los recursos involucrados en aquellos o por alcanzar los objetivos propuestos inicialmente, el afán por trabajar de un modo más eficaz y eficiente, la generación y captación de nuevas audiencias, entre muchas otras cuestiones, reclaman profesionales de la gestión y la producción escénica iberoamericanos cada vez mejor preparados para afrontar las difíciles condiciones actuales de creación, producción, exhibición y distribución de los bienes artísticos.
En ese sentido, y con la idea de profundizar y dar continuidad a los procesos iniciados en la ciudad de México con el 1º Foro sobre la Producción Escénica en Iberoamérica (2009) y el 1º Congreso Iberoamericano de Productores Escénicos (2010), el CELCIT -Centro Latinoamericano de Creación e Investigación Teatral- organiza por primera vez en la Argentina el 2º Foro de productores de la región que se llevará a cabo entre el 5 y el 10 de diciembre en su sede de Moreno 431, en Buenos Aires.
Así como en los dos eventos antes mencionados, en este segundo foro se pretende reunir a especialistas de la gestión y la producción escénica iberoamericana con la comunidad artística local con la intención de propiciar el diálogo, la reflexión y el intercambio de opiniones, experiencias y métodos de trabajo así como ahondar en aspectos referidos a la formación y a la profesionalización del sector a través de una serie de actividades como mesas temáticas, talleres y presentación de publicaciones especializadas.
En esta oscasión, participarán del 2º Foro sobre la Producción Escénica en Iberoamérica los siguientes invitados internacionales: André Carreira de Brasil, Antonino Pirozzi de Chile, Miguel Angel Pérez Martín de España, Marisa de León y Silvia Peláez de México y Gerardo Grieco de Uruguay. Por Argentina participarán Carlos Ianni y Gustavo Schraier. La coordinación académica del evento correrá por cuenta de este último quien contará con el asesoramiento de los maestros Marisa de León, Silvia Peláez y Miguel Angel Pérez Martín.
Mesas temáticas
De 10 a 14 horas. Con entrada gratuita.
¿Dónde y cómo se forma un profesional?
Experiencias iberoamericanas en el campo de la formación de gestores y productores escénicos.
Con la participación de Marisa de León, Miguel Angel Pérez Martín, André Carreira y Gustavo Schraier. Modera: Carlos Ianni
Lunes 5 de diciembre
¿Cómo producimos lo que producimos?
Modelos de producción escénica en Iberoamérica.
Con la participación de Marisa de León, Gerardo Grieco, André Carreira, Antonino Pirozzi y Carlos Ianni. Modera: Gustavo Schraier
Martes 6 de diciembre
Para qué, cómo y con quiénes nos comunicamos
Estrategias de prensa, difusión y marketing de artes escénicas.
Con la participación de Miguel Angel Pérez Martín, Silvia Peláez, Antonino Pirozzi y Gustavo Schraier. Modera: Carlos Ianni
Miércoles 7 de diciembre
Circuitos, ¿qué circuitos?
Exhibición, distribución y circulación de productos de teatro y danza en la región.
Con la participación de Silvia Peláez, André Carreira, Gerardo Grieco y Carlos Ianni. Modera: Gustavo Schraier
Jueves 8 de diciembre
¿Quién va a ver teatro y danza?
Los públicos de las artes escénicas iberoamericanas.
Con la participación de Marisa de León, Silvia Peláez, Miguel Angel Pérez Martín, Gerardo Grieco, Antonino Pirozzi y Gustavo Schraier. Modera: Carlos Ianni
Viernes 9 de diciembre
¿Adónde se llega con todo esto?
Cierre y conclusiones de las distintas mesas.
Con la participación de Marisa de León, Silvia Peláez, Miguel Angel Pérez Martín y Gustavo Schraier
Sábado 10 de diciembre
Talleres internacionales. Abierta la inscripción
Project Management aplicado a los proyectos escénicos
Docente: Antonino Pirozzi (Chile)
Lunes 5 y martes 6 de diciembre, de 16 a 19 hs.
Para todo interesado en el tema
Arancel: $ 250 (Argentina) / u$s 70 (Otros países)
Más información - Preinscripción
Estrategias de producción para grupos teatrales, una lucha contra el marketing
Docente: André Carreira (Brasil)
Lunes 5 y martes 6 de diciembre, de 16 a 19 hs.
Para todo interesado en el tema
Arancel: $ 250 (Argentina) / u$s 70 (Otros países)
Más información - Preinscripción
Diez claves para la gestión de proyectos escénicos. La estrategia aplicada a la producción
Docente: Gerardo Grieco (Uruguay)
Martes 6 y miércoles 7 de diciembre, 16 a 19 hs.
Para todo interesado en el tema
Arancel: $ 250 (Argentina) / u$s 70 (Otros países)
Más información - Preinscripción
Introducción a la gestión de públicos para las artes escénicas
Docente: Silvia Peláez (México)
Miércoles 7 y jueves 8 de diciembre, de 16 a 19 hs.
Para todo interesado en el tema
Arancel: $ 250 (Argentina) / u$s 70 (Otros países)
Más información - Preinscripción
Introducción a la metodología de la producción escénica
Docente: Marisa de León (México)
Jueves 8 y viernes 9 de diciembre, de 16 a 19 hs.
Para todo interesado en el tema
Arancel: $ 250 (Argentina) / u$s 70 (Otros países)
Más información - Preinscripción
Gestión de salas y espacios escénicos
Docente: Miguel Angel Pérez Martín (España)
Jueves 8 y viernes 9 de diciembre, de 16 a 19 hs.
Para todo interesado en el tema
Arancel: $ 250 (Argentina) / u$s 70 (Otros países)
Más información - Preinscripción
Informes e inscripción: Moreno 431, Buenos Aires. Teléfono: (5411) 4342-1026.
e-mail: secretaria@celcit.org.ar . Sykpe: celcit-argentina
Horario de atención: lunes a sábados de 10 a 13; lunes a jueves de 18 a 21
Presentación de publicaciones especializadas
fuente y mas información
www.celcit.org.ar
Sábado 10 de diciembre, 16 hs. Entrada libre
2º Foro sobre la Producción
Escénica en Iberoamérica
Un puente entre la formación y la profesionalización del sector
Buenos Aires. 5 al 10 de diciembre de 2011
El anhelo de lograr productos escénicos de mayor calidad, el esfuerzo por optimizar los recursos involucrados en aquellos o por alcanzar los objetivos propuestos inicialmente, el afán por trabajar de un modo más eficaz y eficiente, la generación y captación de nuevas audiencias, entre muchas otras cuestiones, reclaman profesionales de la gestión y la producción escénica iberoamericanos cada vez mejor preparados para afrontar las difíciles condiciones actuales de creación, producción, exhibición y distribución de los bienes artísticos.
En ese sentido, y con la idea de profundizar y dar continuidad a los procesos iniciados en la ciudad de México con el 1º Foro sobre la Producción Escénica en Iberoamérica (2009) y el 1º Congreso Iberoamericano de Productores Escénicos (2010), el CELCIT -Centro Latinoamericano de Creación e Investigación Teatral- organiza por primera vez en la Argentina el 2º Foro de productores de la región que se llevará a cabo entre el 5 y el 10 de diciembre en su sede de Moreno 431, en Buenos Aires.
Así como en los dos eventos antes mencionados, en este segundo foro se pretende reunir a especialistas de la gestión y la producción escénica iberoamericana con la comunidad artística local con la intención de propiciar el diálogo, la reflexión y el intercambio de opiniones, experiencias y métodos de trabajo así como ahondar en aspectos referidos a la formación y a la profesionalización del sector a través de una serie de actividades como mesas temáticas, talleres y presentación de publicaciones especializadas.
En esta oscasión, participarán del 2º Foro sobre la Producción Escénica en Iberoamérica los siguientes invitados internacionales: André Carreira de Brasil, Antonino Pirozzi de Chile, Miguel Angel Pérez Martín de España, Marisa de León y Silvia Peláez de México y Gerardo Grieco de Uruguay. Por Argentina participarán Carlos Ianni y Gustavo Schraier. La coordinación académica del evento correrá por cuenta de este último quien contará con el asesoramiento de los maestros Marisa de León, Silvia Peláez y Miguel Angel Pérez Martín.
Mesas temáticas
De 10 a 14 horas. Con entrada gratuita.
¿Dónde y cómo se forma un profesional?
Experiencias iberoamericanas en el campo de la formación de gestores y productores escénicos.
Con la participación de Marisa de León, Miguel Angel Pérez Martín, André Carreira y Gustavo Schraier. Modera: Carlos Ianni
Lunes 5 de diciembre
¿Cómo producimos lo que producimos?
Modelos de producción escénica en Iberoamérica.
Con la participación de Marisa de León, Gerardo Grieco, André Carreira, Antonino Pirozzi y Carlos Ianni. Modera: Gustavo Schraier
Martes 6 de diciembre
Para qué, cómo y con quiénes nos comunicamos
Estrategias de prensa, difusión y marketing de artes escénicas.
Con la participación de Miguel Angel Pérez Martín, Silvia Peláez, Antonino Pirozzi y Gustavo Schraier. Modera: Carlos Ianni
Miércoles 7 de diciembre
Circuitos, ¿qué circuitos?
Exhibición, distribución y circulación de productos de teatro y danza en la región.
Con la participación de Silvia Peláez, André Carreira, Gerardo Grieco y Carlos Ianni. Modera: Gustavo Schraier
Jueves 8 de diciembre
¿Quién va a ver teatro y danza?
Los públicos de las artes escénicas iberoamericanas.
Con la participación de Marisa de León, Silvia Peláez, Miguel Angel Pérez Martín, Gerardo Grieco, Antonino Pirozzi y Gustavo Schraier. Modera: Carlos Ianni
Viernes 9 de diciembre
¿Adónde se llega con todo esto?
Cierre y conclusiones de las distintas mesas.
Con la participación de Marisa de León, Silvia Peláez, Miguel Angel Pérez Martín y Gustavo Schraier
Sábado 10 de diciembre
Talleres internacionales. Abierta la inscripción
Project Management aplicado a los proyectos escénicos
Docente: Antonino Pirozzi (Chile)
Lunes 5 y martes 6 de diciembre, de 16 a 19 hs.
Para todo interesado en el tema
Arancel: $ 250 (Argentina) / u$s 70 (Otros países)
Más información - Preinscripción
Estrategias de producción para grupos teatrales, una lucha contra el marketing
Docente: André Carreira (Brasil)
Lunes 5 y martes 6 de diciembre, de 16 a 19 hs.
Para todo interesado en el tema
Arancel: $ 250 (Argentina) / u$s 70 (Otros países)
Más información - Preinscripción
Diez claves para la gestión de proyectos escénicos. La estrategia aplicada a la producción
Docente: Gerardo Grieco (Uruguay)
Martes 6 y miércoles 7 de diciembre, 16 a 19 hs.
Para todo interesado en el tema
Arancel: $ 250 (Argentina) / u$s 70 (Otros países)
Más información - Preinscripción
Introducción a la gestión de públicos para las artes escénicas
Docente: Silvia Peláez (México)
Miércoles 7 y jueves 8 de diciembre, de 16 a 19 hs.
Para todo interesado en el tema
Arancel: $ 250 (Argentina) / u$s 70 (Otros países)
Más información - Preinscripción
Introducción a la metodología de la producción escénica
Docente: Marisa de León (México)
Jueves 8 y viernes 9 de diciembre, de 16 a 19 hs.
Para todo interesado en el tema
Arancel: $ 250 (Argentina) / u$s 70 (Otros países)
Más información - Preinscripción
Gestión de salas y espacios escénicos
Docente: Miguel Angel Pérez Martín (España)
Jueves 8 y viernes 9 de diciembre, de 16 a 19 hs.
Para todo interesado en el tema
Arancel: $ 250 (Argentina) / u$s 70 (Otros países)
Más información - Preinscripción
Informes e inscripción: Moreno 431, Buenos Aires. Teléfono: (5411) 4342-1026.
e-mail: secretaria@celcit.org.ar . Sykpe: celcit-argentina
Horario de atención: lunes a sábados de 10 a 13; lunes a jueves de 18 a 21
Presentación de publicaciones especializadas
fuente y mas información
www.celcit.org.ar
Sábado 10 de diciembre, 16 hs. Entrada libre
PREMIO NUEVA DRAMATURGIA GUATEMALTECA 2011 (3era Edición) CONVOCATORIA
El Centro Cultural de España en Guatemala y la Red Guatemalteca de Teatro convocan a la tercera edición del Premio Nueva Dramaturgia Guatemalteca 2011.
El Premio estará dotado US$4,500.00 distribuidos así: US$1,000.00 para el autor de la obra ganadora; US$1,500.00 para talleres de formación sobre dramaturgia contemporánea, y US$2,000.00 para la producción de la obra que será estrenada en el Festival Nacional de Teatro. Además la obra premiada será publicada en la colección del Centro Cultural de España en Guatemala.
Más información en convocatoria adjunta.
Saludos cordiales,
Eugenia Arriola
Centro Cultural de España en Guatemala
Via 5, 1-23 Zona 4, Ciudad de Guatemala
Tel/Fax: (00502) 23859066/67/70
formacion@ccespana.com.gt
www.cceguatemala.org
miércoles, 10 de agosto de 2011
FIREWORKS, FUEGOS ARTIFICIALES. TEATRO ARGENTINO 2011
Libro y dirección: Roberto Ibáñez
Elenco: Héctor Cesana, Lourdes Cerdan, Gerardo Maleh,
Xristian Grilli
Viernes 21hs.
Reservas al: 4308-3353
Localidades: $30
En homenaje a los caídos en la guerra de Malvinas
Una sátira sobre aquel desafortunado conflicto bélico.
La obra estructura situaciones concretas y metafóricas con perfiles satíricos. Canciones y coreografías acompañan las particulares relaciones entabladas entre los protagonistas de la historia: un Oficial Británico y su protegida Kelper, ante la irrupción de un soldado Argentino en su intimidad durante las acciones militares desarrolladas en Malvinas.
La Guerra, con toda su violencia y fatales consecuencias invade la escena recortando claramente tanto los gestos desmesurados del agresos Británico y su eterno aliado Norteamericano como así también el desconcierto, orfandad y heroísmo de los jóvenes Argentinos que, sujetos al delirio de mandos ineptos e indolentes impulsados por la ambición y el alcohol, pusieron el cuerpo en una aventura sangrienta y de final previsible.
Música y efectos: JUAN PABLO MARTINI
Escenografía: VÍCTOR DE PILLA
Vestuario: ALICIA GUMÁ
Coreografías: SABRINA GARAYCOCHEA
Asistencia de Direción: XRISTIAN GRILLI
Fuente de Información:
Teatro del arteFacto
Escuela de Teatro de Buenos Aires - Sarandí 760 (C1222ACF) - Ciudad Autónoma de Buenos Aires - Argentina.
Tel (5411) 4308-3353
info@etbaonline.com.ar
www.etbaonline.com.ar
foto de Lourdes Cerdán
fuente
https://www.facebook.com/photo.php?fbid=160262807381196&set=at.115508931856584.21119.100001924345653.529963599&type=1&theater
RELATOS DE UN SATIRO GUATEMALA 2011 TEMPORADA
Krea Ilusiones
te invita a ver
"RELATOS DE UN SATIRO"
de Emerson Leiva.
A finales del mes pasado se estrenó con un lleno total el drama ligero Relatos de un sátiro
Como sátiros se conocía en la mitología griega a los dioses de la naturaleza representados por una figura mitad hombre y mitad cabro.
Corresponde al semidiós Fauno de los romanos, esposo de Fauna.
Esta pieza teatral, rica en planteamientos que no explotan la banal vulgaridad, sienta cátedra de teatro en Guatemala.
No hay escenografía ni complicado vestuario, y enfatiza la acción un discreto fondo musical.
Están en escena dos actores de experiencia: Emerson y Beldad Soto, que, como una ninfa, es digna contraparte del Sátiro.
Hablan de amor y sexo.
Discurren por delicado tema y viven un chispeante vaivén intelectual.
Las mujeres de la audiencia soltaban risitas nerviosas, y los hombres miraban alrededor tratando de disimular su incomodidad con el tema.
Asi que te invitamos a que vengas a Descubrir la diferencia entre Sexo y Amor !
CAFE LA QUINTA!
PARA RESERVACIONES:4072-6002 Y AL 5313-0826
Gracias por asistir al estreno ... fue un lleno total!!!
satiro.jpg
--
Atentamente,
Krea Ilusiones
Imaginamos para ti!
Telefono 5313-0826 / 2258-1515
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http://www.facebook.com/KreaIlusionesguatemala
TEATRO CLOWN en el BUNKER. BOLIVIA 2011
Bolivia. El clown, en escena
“El encuentro final es un hecho muy íntimo, es mejor si no derrama lágrimas y sólo esboza una sonrisa. Siempre así… es mejor”.
Esta obra es un relato cómico y poético que se fundamenta en la relación del actor con el público. Un personaje cuenta sus vivencias desde su nacimiento y los sucesos que lo construyeron. Éstos quizás son reales o simplemente son producto de su imaginación. Lo cierto es que La muerte de un actor podrá ser presenciada nuevamente, esta vez, en el escenario del Búnker (Avda. Uruguay Nº 493, a media cuadra de la Terminal de Buses), los días 11, 12, 13 y 14 de agosto, a las 19.30. El jueves 11 y el viernes 12, la entrada será de 10 bolivianos; mientras que el sábado 13 y el domingo 14, tendrá un costo de 20 bolivianos.
Acerca de la muerte de un actor. Peredo comenta respecto de su propuesta: “Todos tenemos algo que nos diferencia para poder ser parte de todos. En realidad ésa es la búsqueda, hurgar en el interior a través de nuestro exterior y conciliar nuestros mundos, y de alguna manera resolver nuestra existencia. Una existencia comprimida, resumida, casi limitada. Alguien dijo que sin límites no hay libertad”.
Mediante la magia y el humor del clown se podrá apreciar una obra hecha de límites, donde no se permite soñar pero el sueño es inevitable, donde no se permite reír y sin embargo se ríe, y donde no existe lo falso porque todo es una representación, pero la verdad está todo el tiempo.
La autoría y dirección de la obra es de Antonio Peredo, quién también la interpreta. La producción y la parte técnica la realiza Carmen Suárez; la coreografía está a cargo de Camila Bilbao La Vieja; la iluminación es de Marcos García Tornel; el diseño gráfico, de Natalia Peña, y la creación visual corresponde a Vania de Lucca.
El autor. Antonio Peredo nació en La Paz en el año de 1980. Formó parte del grupo Zig Zag Teatro y es creador del grupo multidisciplinario El Reciclaje, con éste trabajó en varios proyectos. Más tarde, ingresa en la Escuela Nacional de Teatro en Santa Cruz y cursa por cuatro años la carrera de artes dramáticas. Hasta el momento, trabajó como actor de teatro, de cine, asistente de dirección, escritor y director de montajes propios.
4 días se presentará La muerte de un actor en el escenario del Búnker Espacio Alternativo.
• Marcela Ossio Lazcano | La Prensa | 2011-08-10
FUENTE E INFO
http://www.celcit.org.ar/noticias_5268_el.clown.en.escena.html
FESTIVAL DESAFIARTE ARGENTINA 2011
Argentina. Festival Desafiarte: Te desafío con todos los sentidos
El Festival Desafiarte inicia su novena edición con una programación que convoca a más de 2.000 participantes.
Una conmoción recorrerá la platea y los espacios tomados por el Festival Desafiarte hasta el viernes. Para la responsable de Fundación Desafiarte, Adriana Torriglia, esa conmoción es el sello que garantiza el crecimiento de un festival donde los grupos ofrecen productos artísticos pensados más allá de la dinámica del aula de educación especial.
Desafiarte inicia su novena edición con más de 90 obras y producciones en todas las ramas artísticas, 51 organizaciones, escuelas y agrupaciones de la ciudad y la provincia de Córdoba, y más de 2.000 participantes.
Se presentan 29 propuestas artísticas de instituciones educativas públicas y privadas de Córdoba e interior, entre ellas: Santa María de Punilla, Río Tercero, Villa Carlos Paz, Berrotarán, Villa Santa Rosa de Río Primero, Oncativo, Embalse, Oliva, Villa María y Villa General Belgrano. Este año se suman, por primera vez, grupos de San José de la Dormida y Totoral. “Ya andan por la ciudad con pañuelos amarillos en el cuello. Cada escuela se identifica como quiere”, dice Torriglia.
Desafiarte se ha hecho más grande porque no se interrumpe el crecimiento, tanto en la indagación artística, como en los productos. “Antes se planteaba la discapacidad como una barrera autolimitante. Hoy no pasa. El espacio creativo se ha abierto y hay cierto arrojo en la utilización de nuevas tendencias, sin autocensura”, señala Adriana.
Desafiarte es una muestra del avance en los espacios educativos que tienen fuerte apoyo institucional. “Cuando se toman los lenguajes artísticos más allá del aula, pasa a ser un proyecto institucional. Se desvanece el territorio áulico y la propuesta teatral convive con la música, las artes visuales, el cine. Esto, hace diez años, en la población de las personas con discapacidad, era impensable. Éste es el salto a la accesibilidad cultural”, afirma con alegría.
La obras creadas, interpretadas y exhibidas por personas con y sin discapacidades se presentan con entrada libre y gratuita en el Cabildo, el Teatro Real, la Ciudad de las Artes, la Plazoleta del Fundador y la peatonal.
El encuentro de murgas reunirá 14 agrupaciones que pondrán ritmo y música a las tardes de martes y miércoles, de 14 a 18 en la explanada del Cabildo. En el Teatro Real habrá un festival dentro del festival. Durante cuatro noches se presentarán obras de teatro, danza y expresión corporal. Además, ya abrió la muestra “Arte para Todos”, en el patio de la Legislatura, hasta el viernes, de 9 a 19; habrá un concierto el jueves por la mañana en la Legislatura; un ciclo de cine, el viernes en la Ciudad de las Artes, y la Radio abierta que transmitirá hoy por la tarde desde la Plazoleta del Fundador (27 de abril y Ob. Trejo) y el jueves, por la mañana, desde la esquina de las calles Deán Funes y San Martín (frente a la Plaza).
El Teatro Real será epicentro de obras de distinta inspiración en el amplio espectro de las artes escénicas. Hoy, de 19 a 22 se presentan: el Grupo del Centro Privado de Día María Causa de Nuestra Alegría con Los Tejedores , adaptación libre del texto homónimo de F. Hauphmann. Los integrantes de CAI Centro Educativo Terapéutico ofrecen un espectáculo de danzas folklóricas, Todos somos iguales y transmiten la idea de que un país sin tradición es un cuerpo sin alma. También la Escuela Especial Myriam Hyquel de Andrés presenta Raíces folklóricas.
Los Cuculeros, murga del Centro Educativo Terapéutico San Francisco de Asís, sube con Cuculeros somos todos . El grupo comenzó hace seis años y tuvo un crecimiento acorde con el entusiasmo de sus participantes. El Instituto San José, Modalidad Especial, participa en Gotitas de Amor , propuesta musical en la que los alumnos trabajan sobre el tema homónimo de Marcela Morelo. La expresión rítmica estará presente en Pulso y latido por la Escuela Especial Carolina Ana Mosca que ofrece su trabajo de percusión y actuación, poniendo sonidos a situaciones cotidianas. En cuanto a expresión corporal, el Instituto Mariette Lydis presenta Mano a mano , y la Escuela Especial Domingo Cabred muestra En la vereda de la vida , ambientado en la vereda de un barrio donde se cruzan miradas e historias.
• Beatriz Molinari | La Voz del Interior - Córdoba | 2011-08-10
FUENTE E INFO
http://www.celcit.org.ar/noticias_5266_festival.desafiarte:.te.desafio.con.todos.los.sentidos.html
El Festival Desafiarte inicia su novena edición con una programación que convoca a más de 2.000 participantes.
Una conmoción recorrerá la platea y los espacios tomados por el Festival Desafiarte hasta el viernes. Para la responsable de Fundación Desafiarte, Adriana Torriglia, esa conmoción es el sello que garantiza el crecimiento de un festival donde los grupos ofrecen productos artísticos pensados más allá de la dinámica del aula de educación especial.
Desafiarte inicia su novena edición con más de 90 obras y producciones en todas las ramas artísticas, 51 organizaciones, escuelas y agrupaciones de la ciudad y la provincia de Córdoba, y más de 2.000 participantes.
Se presentan 29 propuestas artísticas de instituciones educativas públicas y privadas de Córdoba e interior, entre ellas: Santa María de Punilla, Río Tercero, Villa Carlos Paz, Berrotarán, Villa Santa Rosa de Río Primero, Oncativo, Embalse, Oliva, Villa María y Villa General Belgrano. Este año se suman, por primera vez, grupos de San José de la Dormida y Totoral. “Ya andan por la ciudad con pañuelos amarillos en el cuello. Cada escuela se identifica como quiere”, dice Torriglia.
Desafiarte se ha hecho más grande porque no se interrumpe el crecimiento, tanto en la indagación artística, como en los productos. “Antes se planteaba la discapacidad como una barrera autolimitante. Hoy no pasa. El espacio creativo se ha abierto y hay cierto arrojo en la utilización de nuevas tendencias, sin autocensura”, señala Adriana.
Desafiarte es una muestra del avance en los espacios educativos que tienen fuerte apoyo institucional. “Cuando se toman los lenguajes artísticos más allá del aula, pasa a ser un proyecto institucional. Se desvanece el territorio áulico y la propuesta teatral convive con la música, las artes visuales, el cine. Esto, hace diez años, en la población de las personas con discapacidad, era impensable. Éste es el salto a la accesibilidad cultural”, afirma con alegría.
La obras creadas, interpretadas y exhibidas por personas con y sin discapacidades se presentan con entrada libre y gratuita en el Cabildo, el Teatro Real, la Ciudad de las Artes, la Plazoleta del Fundador y la peatonal.
El encuentro de murgas reunirá 14 agrupaciones que pondrán ritmo y música a las tardes de martes y miércoles, de 14 a 18 en la explanada del Cabildo. En el Teatro Real habrá un festival dentro del festival. Durante cuatro noches se presentarán obras de teatro, danza y expresión corporal. Además, ya abrió la muestra “Arte para Todos”, en el patio de la Legislatura, hasta el viernes, de 9 a 19; habrá un concierto el jueves por la mañana en la Legislatura; un ciclo de cine, el viernes en la Ciudad de las Artes, y la Radio abierta que transmitirá hoy por la tarde desde la Plazoleta del Fundador (27 de abril y Ob. Trejo) y el jueves, por la mañana, desde la esquina de las calles Deán Funes y San Martín (frente a la Plaza).
El Teatro Real será epicentro de obras de distinta inspiración en el amplio espectro de las artes escénicas. Hoy, de 19 a 22 se presentan: el Grupo del Centro Privado de Día María Causa de Nuestra Alegría con Los Tejedores , adaptación libre del texto homónimo de F. Hauphmann. Los integrantes de CAI Centro Educativo Terapéutico ofrecen un espectáculo de danzas folklóricas, Todos somos iguales y transmiten la idea de que un país sin tradición es un cuerpo sin alma. También la Escuela Especial Myriam Hyquel de Andrés presenta Raíces folklóricas.
Los Cuculeros, murga del Centro Educativo Terapéutico San Francisco de Asís, sube con Cuculeros somos todos . El grupo comenzó hace seis años y tuvo un crecimiento acorde con el entusiasmo de sus participantes. El Instituto San José, Modalidad Especial, participa en Gotitas de Amor , propuesta musical en la que los alumnos trabajan sobre el tema homónimo de Marcela Morelo. La expresión rítmica estará presente en Pulso y latido por la Escuela Especial Carolina Ana Mosca que ofrece su trabajo de percusión y actuación, poniendo sonidos a situaciones cotidianas. En cuanto a expresión corporal, el Instituto Mariette Lydis presenta Mano a mano , y la Escuela Especial Domingo Cabred muestra En la vereda de la vida , ambientado en la vereda de un barrio donde se cruzan miradas e historias.
• Beatriz Molinari | La Voz del Interior - Córdoba | 2011-08-10
FUENTE E INFO
http://www.celcit.org.ar/noticias_5266_festival.desafiarte:.te.desafio.con.todos.los.sentidos.html
REVISTA BALLETIN DANCE. REVISTA ARGENTINA DE DANZA. (DESCARGA GRATUITA) ARGENTINA 2011
BALLETIN DANCE. LA REVISTA ARGENTINA DE DANZA. Ya podés descargar del portal la edición de este mes (a la derecha: "Archivos pdf"). Podés= guardarla en tu computadora, leerla cuando quieras, imprimirla, compartirla. Si preferís la edición impresa, nos venís a visitar de lunes a viernes de 10 a 17 hs (A. Alsina 943, 4º piso, oficina 410, Bs As) y te regalamos un ejemplar, o te la enviamos a tu casa. ¡Disfrutala!
BALLETIN DANCE - La Revista Argentina de Danza - Agosto 2011
www.balletindance.com.ar
Balletin Dance - La Revista Argentina de Danza. Publicación mensual de actualidad especializada en danza.
IMAGEN, ESPACIO, SIGNIFICACIÓN. VER Y ESTUDIAR EL ARTE DE LA DANZA. MEXICO 2011
El Lunes, 10 de octubre a las 11:00 en Instituto de Investigaciones Estéticas. Sala Francisco de la Maza
El Instituto de Investigaciones Estéticas de la UNAM le invita al curso: Imagen, espacio, significación. Ver y estudiar el arte de la Danza. La investigación y la escritura en torno a los diversos géneros dancísticos en México y en el mundo. Coordinador académico Mtro. Alberto Dallal Instituto de Investigaciones Estéticas Sala Francisco de la Maza Lunes y miércoles del 10 de octubre al 3 de noviembre de 2011, de 11:00 a 14:00 horas. Se dará constancia sólo con el 100% de asistencias. Inscripciones durante el mes de septiembre. Inscripción $1500.00 con 50% de descuento presentando credencial de la UNAM Cupo limitado a 30 personas En la crítica, la investigación y la teoría del arte de la danza se manifiestan acciones, conceptos y elementos de documentación que adquieren importancia relevante sólo en consideración de la naturaleza radicalmente efímera de este arte. En efecto, la danza contemplada y analizada, ya sea como arte o como actividad social, acción de masas, dinámica escénica, propuesta estética, obra o producción en variados sentidos, se ofrece como un fenómeno efímero: resulta vertiginosa en su realización frente a los espectadores, sufre transformaciones sucesivas e inmediatas, se llena de imágenes difíciles de aprehender, padece ausencia de registros completos, puede ser diferente en cada experiencia o función, etcétera. Por ello, tanto los programas de mano, como los videos, las fotografías, los productos periodísticos, las críticas, las cartas y las descripciones orales tienden a convertirse en apreciados conductos para la complicada investigación que en torno a los participantes y las obras del arte de la danza es necesario realizar para la elaboración de “historias”, descripciones, reportajes y otros productos de investigación especializada. En torno a esta rica realidad artística, en un lapso relativamente corto se hace necesario registrar un mayor número de coreógrafos, bailarines, maestros, obras, imágenes, géneros y acontecimientos de la danza. De ahí que se organice este curso específico en torno a las metodologías de investigación del arte de la danza. OBJETIVOS Conocimiento y evaluación de las actividades del arte de la danza. Análisis conceptual e histórico de la danza en el mundo y en México. ENTREVISTAS A PARTICIPANTES DE LA DANZA MEXICANA PROGRAMA A LLEVARSE A CABO EN EL MES DE OCTUBRE Horario de las 11:00 a las 14:00 horas LOS ELEMENTOS DE LA DANZA Lunes 10 TRAYECTORIA HISTÓRICA DE LA DANZA EN MÉXICO Miércoles 12 LA CULTURA DEL CUERPO Lunes 17 LA ESTRUCTURA COREOGRÁFICA Miércoles 19 LA DISOLVENCIA DEL CUERPO EN EL ESPACIO. LOS REGISTROS DE LA DANZA Lunes 24 ENTREVISTAS Miércoles 26 Lunes 3 de noviembre Informes e inscripciones Instituto de Investigaciones Estéticas, UNAM Comunicación y Promoción Circuito Mario de la Cueva s/n, Zona Cultural, Ciudad Universitaria, México D.F. Tel. 56 65 24 65 / 56 65 76 41 malecord9@yahoo.com.mx
http://www.esteticas.unam.mx/cactividades/actividades/curso_imagen.html
FUENTE Y MAS INFO EN
https://www.facebook.com/event.php?eid=131225936970662
EL CLUB DE TEATRO DE LIMA EN PERU 2011
Perú. Lucha contra el tiempo
Reynaldo D’Amore defiende el Club de Teatro de Lima.
Se vende. En la fachada del edificio ya luce el cartel de una corredora inmobiliaria, colocado sobre la placa del Club de Teatro de Lima. El anuncio tiene el filo de una espada de Damocles. La institución tiene hasta fines del mes de agosto para conseguir 260 mil dólares, el dinero necesario para adquirir el local miraflorino que los acoge desde hace 30 años. De lo contrario, la escuela que formó diferentes generaciones de actores se verá obligada a desmontar sus salas de clase y auditorios. Es decir: disolverse. “Aún no hay definiciones. Pero conocemos a mucha gente que podría ser socia protectora de la institución”, señala Reynaldo D’Amore, el director de la institución.
El tiempo corre, pero el veterano hombre de teatro mantiene la esperanza. Si en los años 60 el teatro supo articular una red solidaria de socios que logró equipar el lugar con la infraestructura que hoy luce, es posible que, en las semanas que lo separan de la fecha final, se pueda conseguir el dinero para adquirirlo.
UN LLAMADO URGENTE
En ese sentido, D’Amore hace un llamado al nuevo gobierno, a través del Ministerio de Cultura, para intervenir en la defensa de la cultura teatral.
“En otros países el teatro recibe subvenciones. En el Perú, en cambio, se le ha tratado como a un pariente pobre. Esperamos que esta vez haya una defensa de la cultura del teatro que nos permita comprar este local”, explica D’Amore, quien amplía su llamado a las empresas privadas, a las universidades y a las municipalidades de Lima y Miraflores para hacer viable su continuidad.
LA VOZ DE LOS SOCIOS
Recientemente hubo una reunión de los socios del club, en la que D’Amore explicó la situación actual de la institución y las tentativas para conseguir la compra del espacio. “Muchos socios artistas van a hacer donaciones, pero el monto resulta mínimo comparado con el presupuesto necesario para adquirir el local”, lamenta el maestro.
“No sabemos qué va a pasar, pero vamos a seguir insistiendo. Es nuestra lucha. Si no luchamos estamos perdidos”, acotó D’Amore.
El Club de Teatro de Lima nació en 1953, en el café-bar Negro Negro, ubicado en la plaza San Martín. Luego se mudó al sótano del edificio de la Maison de France, sobre la Av. Colmena. Desde 1983 ocupa sus actuales instalaciones en la primera cuadra de la Av. 28 de Julio, en Miraflores.
• El Comercio | 2011-08-10
FUENTE
http://www.celcit.org.ar/noticias_5272_lucha.contra.el.tiempo.html
Reynaldo D’Amore defiende el Club de Teatro de Lima.
Se vende. En la fachada del edificio ya luce el cartel de una corredora inmobiliaria, colocado sobre la placa del Club de Teatro de Lima. El anuncio tiene el filo de una espada de Damocles. La institución tiene hasta fines del mes de agosto para conseguir 260 mil dólares, el dinero necesario para adquirir el local miraflorino que los acoge desde hace 30 años. De lo contrario, la escuela que formó diferentes generaciones de actores se verá obligada a desmontar sus salas de clase y auditorios. Es decir: disolverse. “Aún no hay definiciones. Pero conocemos a mucha gente que podría ser socia protectora de la institución”, señala Reynaldo D’Amore, el director de la institución.
El tiempo corre, pero el veterano hombre de teatro mantiene la esperanza. Si en los años 60 el teatro supo articular una red solidaria de socios que logró equipar el lugar con la infraestructura que hoy luce, es posible que, en las semanas que lo separan de la fecha final, se pueda conseguir el dinero para adquirirlo.
UN LLAMADO URGENTE
En ese sentido, D’Amore hace un llamado al nuevo gobierno, a través del Ministerio de Cultura, para intervenir en la defensa de la cultura teatral.
“En otros países el teatro recibe subvenciones. En el Perú, en cambio, se le ha tratado como a un pariente pobre. Esperamos que esta vez haya una defensa de la cultura del teatro que nos permita comprar este local”, explica D’Amore, quien amplía su llamado a las empresas privadas, a las universidades y a las municipalidades de Lima y Miraflores para hacer viable su continuidad.
LA VOZ DE LOS SOCIOS
Recientemente hubo una reunión de los socios del club, en la que D’Amore explicó la situación actual de la institución y las tentativas para conseguir la compra del espacio. “Muchos socios artistas van a hacer donaciones, pero el monto resulta mínimo comparado con el presupuesto necesario para adquirir el local”, lamenta el maestro.
“No sabemos qué va a pasar, pero vamos a seguir insistiendo. Es nuestra lucha. Si no luchamos estamos perdidos”, acotó D’Amore.
El Club de Teatro de Lima nació en 1953, en el café-bar Negro Negro, ubicado en la plaza San Martín. Luego se mudó al sótano del edificio de la Maison de France, sobre la Av. Colmena. Desde 1983 ocupa sus actuales instalaciones en la primera cuadra de la Av. 28 de Julio, en Miraflores.
• El Comercio | 2011-08-10
FUENTE
http://www.celcit.org.ar/noticias_5272_lucha.contra.el.tiempo.html
JAM IMPROVISACION ABIERTA ARTECENTRO PAIZ GUATEMALA 2011
Jam
El Sábado 19:00 en Artecentro Paiz, Guatemala City, Guatemala
Para concluir el taller "Procesos de comunicación corporal", realizaremos una improvisación abierta, mejor conocida como "jam" Un Jam es un espacio abierto y participativo de improvisación, de juego y de creación en el instante donde se compone a partir del movimiento y la quietud. Se puede decidir moverse en el espacio o sentarse a observar. A partir del cuerpo de cada uno se desarrolla un diálogo de movimiento con el espacio y con los otros cuerpos en un tiempo indeterminado: la danza puede ser en solo, en dúo o en grupo; se puede entrar y salir libremente de la improvisación. Pueden integrarse actores, actrices, músicos, fotógrafos, pintores, esultores, videoastas y cualquier persona que así lo desee Son fundamentales la escucha y el respeto a los demás así como a las propias necesidades y límites. *Se sugiere llegar con anticipación **Si no puedes asistir se agradece difusión ***Si te encuentras en otro país pero conoces gente que le pueda interesar de Guatemala, invítalos al evento Gracias
FUENTE Y MAS INFO EN
https://www.facebook.com/event.php?eid=140065606082171
TALLER DE ACROBACIA EN TELAS GUATEMALA 2011
INVITACION A PARTICIPAR
Este es un curso de lo más interesante
para aquellas y aquellos quieren ampliar
su dominio de las artes mixtas
Taller de Acrobacia en Telas
martes y jueves 4:30 - 7:00 pm
Costo Q.300.00 mensuales
Tutor: Fredy Turcios
Inicia Hoy!!!!!!!!!
Taller Intensivo de Actuación y Dirección Escénica Guatemala 2011
Hora
Sábado, 20 de agosto a las 13:30 - 20 de septiembre a las 19:00
Lugar
Por confirmar...
Creado por
Trasbastidores Guatemala
Más información
Estamos estudiando la posibilidad de realizar un taller intensivo de actuación, con el propósito de iniciar un nuevo proyecto.
NOTA: No es necesario conocimiento previo. El método permite avanzar de manera individual. Si eres actor o actriz muy experimentada tendrás más exigencias a si eres un(a) principiante.
Si quieres participar envíanos tu Nombre, Teléfono y disponibilidad de días y horarios a produccion@trasbastidoresguate.com y jany_campos@hotmail.com
--------------
Instructora: Jany Campos. Artista Escénica con más de quince años de experiencia.
Horario: Por definir.
Tiempo: hasta el 20 de Septiembre.
Cupo: mínimo 10 - máximo 20 personas.
Materiales requeridos: ropa cómoda, zapatos deportivos, corcho de vino y cuaderno.
Objetivo general:
- Actuación: revizar el trabajo actoral de los y las participantes haciendo énfacis en la voz y el movimiento escénico a través de la lectura, el juego y la improvisación, para la posterior utilización de herramientas que apoyen su entrenamiento actoral.
- Dirección: analizar la escena y el desenvolvimiento escénico de los actores.
Objetivos específicos:
- Agudizar los sentidos para una mejor observación y comprensión del entorno.
- Desarrollar la capacidad de improvisación, la lectura y el buen uso de la voz.
- Dotar a los participantes de conocimientos básicos en dirección escénica.
Método: a través de la lectura, el juego y la improvisación la docente realizará un diagnóstico individual del participante para luego dotarlo/a de herramientas que le ayuden en el prefeccionamiento de su técnica actoral.
Inversión: por confirmar.
FUENTE Y MAS INFO EN
https://www.facebook.com/event.php?eid=158610914216577¬if_t=event_invite
lunes, 8 de agosto de 2011
EL CESPED MAS VERDE DEL OTRO LADO Colectivo Trashumante BOGOTA COLOMBIA 2011
Hora
jueves, 11 de agosto · 19:30 - 22:30
Lugar
Teatro Libélula Dorada Cra 19 No. 51-69, Bogotá
información proporcionada por
Daniel Guerrero
Más información
“Dar un paso al frente, para decir no. Imaginar y construir la posibilidad de elegir, de no ser parte de la guerra, despojarse de mentes camufladas para silenciar el reclutamiento forzado en Colombia, porque miles de perspectivas habitan el mundo, porque al otro lado, la libertad y la autonomía se encarnan en cada cuerpo que supera el miedo y un deber con la muerte, la libertad se encarna en cada objetor de conciencia que decide no prestar su cuerpo ni su mente a un ejército y ser entonces, únicamente objeto de su conciencia”
Creación: Colectivo Trashumante
Dirección: Estefanía Gómez
Intérpretes:
Natalia García
Judith Quebrada
Silvia Matuk
Walter Cobos
Oswaldo Mogollón
Roberto Bolívar
Daniel Guerrero
Festival de Danza Contemporánea "Cuerpo Sol" 2011
Teatro Libélula Dorada
Aporte:
Estudiantes, Tercera Edad $10.000
General $12.000
Info:
colectivotrashumante@gmail.com
Tel: (Teatro) 2498658 - 3450683
fuente (info e imagen)
http://www.facebook.com/event.php?eid=158637080879066
MILONGUERAS PRETENSIONES TEATRO ARGENTINO 2011
MILONGUERAS PRETENSIONES DE MARIA EUGENIA ASNICAR
OBRA DE TEATRO EN UN ACTO PROTAGONIZADA POR MARIA EUGENIA ASNICAR, CLAUDIA PORTAS Y JUAN PEYRELONGUE.
SINTESIS ARGUMENTAL DE MILONGUERAS PRETENSIONES:
La pieza transcurre a mediados de los años '80. Chola, a partir de un aviso que lee en el diario, decide presentarse a un concurso para bailarines de tango. Para embarcarse en este proyecto recurre a María, su mejor amiga.
Chola ha dedicado toda su vida a su familia y siempre fue ama de casa. María es peluquera y ha puesto todas sus energías en su negocio. Ambas, sin darse cuenta, van repasando sus vidas y se encuentran con frustraciones y soledades.
Recuerdan su juventud, los años dorados del tango y su época de milongueras en la década del `40.
A partir de este recorrido, ambas sufren una transformación especial, lo cual se traduce en un inesperado final.
Fuente (imagen e información)
http://www.facebook.com/milonguerasp
ANTOLOGIA DEL TEATRO CLÁSICO EN GUARANÍ PARAGUAY LIBRO INVESTIGACION ARTES ESCÉNICAS LATINOAMERICA
ANTOLOGIA DEL TEATRO CLÁSICO EN GUARANÍ
Selección e introducción: RUDY TORGA
(Enlace a datos biográficos y obras
en la GALERÍA DE LETRAS del
www.portalguarani.com )
Editorial El Lector,
Tapa: ROBERTO GOIRIZ,
Asunción – Paraguay,
1998 (267 páginas)
.
ANTOLOGIA DEL TEATRO CLÁSICO EN GUARANÍ
.
1
PREXISTENCIA DE LO TEATRAL EN LA CULTURA GUARANÍ
Para comprender el éxito que ha llegado a cosechar el Teatro Paraguayo en Guaraní en nuestro siglo, necesitamos regresar a los orígenes de la formación de nuestra nacionalidad.
Al mismo tiempo resulta ineludible interpretar nuestra historia desde una perspectiva más crítica.
En nuestra historia sencillamente se ha consagrado la versión dejada por los protagonistas de la conquista y de la colonia sin mediar análisis para rectificar su legado cultural etnocentrista.
Aún se resiste al reconocimiento de la efectiva contribución de los aborígenes en la gestación de la identidad cultural de nuestro pueblo, originado en el mestizaje biológico, cultural y lingüístico. Raíz étnica hispana y guaraní, cultura hispana y guaraní, idioma español y guaraní. Los "capitanes y los caudillos de la conquista" y la colonización, fueron exponentes de la cultura española de la época. A su vez los franciscanos y jesuitas venían con rigurosa preparación teológica y técnica. Tenían conocimiento multidisciplinario sobre agricultura, carpintería, artesanía, herrería, construcción, arte.
Pero igualmente se puede afirmar que en la cultura aborigen preexistía una práctica que venía de muchos siglos atrás y abarcaba el canto, la danza, la ejecución de instrumento, donde la esencia de LO TEATRAL, estaba plenamente conceptualizado en los RITOS y perfectamente definido en su plasmación ESTÉTICA. Desde luego, se trataba de una expresión cultural diferente a la de "los capitanes de la conquista" y los "misioneros católicos".
Por otra parte, la vida de los aborígenes transcurría y transcurre hasta hoy en el permanente ejercicio del diálogo que permite un democrático intercambio de ideas sin más jerarquía que la que da la autoridad de la sabiduría y el común interés por la unión de la nación guaraní mantenida a través del respeto a los antepasados y a Ñande Ruvusu -Nuestro Padre Universal-.
La vida de la nación guaraní estaba impregnada de una clara cosmovisión religiosa que abarcaba todas sus actividades en la esfera personal, familiar y específica organización social y política.
II
CONQUISTA POLITICA Y PACIFICACION
Cuando se produce la conquista -1537- la diferencia cultural determina todas las demás diferencias. A medida que fue evidente para los aborígenes que no había predisposición en los pytagua piretî a dialogar desde un nivel de mutuo respeto, comenzó a resquebrajarse la relación.
Ante la actitud unilateral y abierta intimidación de los españoles a los nativos, surgieron entre los mburuvichá de los ava guaraní diferentes estrategias: 1) Cooperación; 2) Enfrentamiento; 3) Rechazo a todo contacto.
Ante la comprobación de que no había oro ni plata que extraer de esta inmensa selva y las dificultades que planteaba el retorno al país de origen, se inicia el proceso de la colonización de las tierras. Y surge una nueva realidad: El filo de la espada, resta habitantes aborígenes para la mano de obra y acrecienta la resistencia que genera serios riegos para sobrevivir. Esta dramática situación motivará la necesidad de volver a fundar Buenos Aires y las otras ciudades que servirían de apoyo para llegar a la misma, sin inconvenientes por el río Paraguay y Paraná. Al mismo tiempo, para avanzar con la colonización se advierte la necesidad de la pacificación de los aborígenes. La Misión será ejecutada con los misioneros franciscanos desde 1580 y por los jesuitas desde 1610 hasta 1767.
III
COMÚN PATRIMONIO CULTURAL: ÑANDE REKO
En la nación guaraní la esencia de la sociedad se fundamentaba en la libertad y en la reciprocidad, donde se comparte el común jardín de la naturaleza y sus dones, sin quebrantar la armonía de la creación y dando así cumplimiento al propósito del Ñande Ruvusu: La preservación de la comunidad humana y la vida en el planeta.
Convivían de acuerdo al común patrimonio cultural del Ñande Reko -Nuestro Ser- que daba expresión a su común pensar, sentir y hacer. La que a su vez establece el común vínculo con los antepasados (Memoria del origen y la historia de la nación guaraní) y con Ñande Ruvusu: Creador de todo lo creado en la tierra y en el Universo.
Y el Ñande Reko -Nuestro Ser- es la identidad cultural que da la cohesión al tekoha y al tetã de los ava.
Y esta identidad cultural expresa el cosmos de su religión. La que a su vez se manifiesta mediante la palabra: El Ñe’ẽ Concretamente: El idioma guaraní es el idioma general de los múltiples pueblos que integraban la nación guaraní. Se extendía su uso en un vasto territorio que iba desde la costa atlántica hasta el Gran Pantanal en el Brasil; las Islas del Delta cerca de Buenos Aires, en la Argentina; y las estribaciones de la Cordillera de los Andes, en Bolivia.
IV
IDIOMA DE LA EVANGELIZACION: EL GUARANI
Así como no se podía penetrar en la selva sin el auxilio de la sabiduría de los aborígenes, no se podía penetrar en el alma de los aborígenes sin el auxilio del idioma guaraní. Los misioneros comprendieron este desafío. Y adoptaron como lengua de la evangelización, el guaraní.
Esta iniciativa le permitirá descubrir la religiosidad indígena y su sensibilidad hacia la música, el canto, la danza y el teatro. Así mismo: habilidad para aprender oficio.
En dirección inversa, también los misioneros fueron sensibilizados por los aborígenes, sin alterar su negativa a valorar su cultura.
La misión evangelizadora se movilizaba para cumplir la reducción del aborigen a la religión católica apostólica romana y protegerlo del abuso de los encomenderos españoles y los bandeirantes portugueses.
Si bien la aceptación del cristianismo ha sumergido a los líderes políticos y religiosos aborígenes, en graves conflictos por renunciar a su religión propia, encontraron en los jesuitas y los franciscanos a gran distancia de la crueldad de los encomenderos de la colonia.
V
PREDICABAN CON LA PRÁCTICA DE LA PIEDAD, EL AFECTO Y LA PACIENCIA
La doctrina cristiana que predicaban los misioneros reafirmaban con la práctica, demostrando piedad hacia los ancianos, los enfermos. Y a las niñas y los niños nativos, educaban con afecto y paciencia insobornable.
Precisamente los niños a su vez son los que más vivamente se interesan en la catequización, porque les facilitaba aprender a ejecutar instrumentos, a intervenir en los coros, a integrar los recitativos de los pasajes de la biblia que escenificaban, con vistosos vestuarios y decoraciones de impresionante colorido.
V
EL TEATRO EN LAS REDUCCIONES JESUITAS
Si bien resulta difícil acceder hasta hoy a las obras teatrales que llegaron a presentarse en las misiones jesuíticas, los fragmentos dejan entrever el conocimiento de la estructura dramática religiosa, especialmente de la edad media: misterios, autosacramentales, alegorías.
Los temas predominantes en el teatro jesuítico fueron: "La Pasión de Cristo" en la Semana Santa; "Corpus Cristi"; "La Vida de los Santos Patronos"; "Diálogo de Adán y Eva", con la intervención del Demonio, "La lucha de San Miguel Arcángel y el Diablo". Se trataba de representaciones escénicas de gran espectacularidad, donde intervenían músicos, coros, danzas y el teatro, con vestuarios que se diseñaban de acuerdo a la dignidad de los personajes y los que correspondían a la época y el país. Además: máscaras, efectos escénicos, repiqueteo de campanas, sonidos de matracas y reproducciones de diferentes pulsaciones acústicas naturales y sobrenaturales.
También los aborígenes incorporaban sus propias danzas sociales, adaptadas a las exigencias de la doctrina cristiana.
Se utilizaban tres idiomas: guaraní, castellano, latín además el portugués, cuando la escena aludía a los "bandeirantes" que invadían las reducciones para llevar como esclavos a los aborígenes, a San Pablo.
El castellano y el latín eran los idiomas usados entre los sacerdotes. El guaraní, el idioma de los aborígenes, los mestizos y los criollos. En un nivel muy reducido, el castellano. Los aborígenes y los mestizos, desde sus respectivas motivaciones: parodiaban y satirizaban las obras escenificadas, como recreación.
Cuando son expulsados los jesuitas en 1767, los aborígenes evangelizados, los mestizos y los criollos, definitivamente incorporan a su tradición el cristianismo. El idioma guaraní y el castellano, se afirman como los idiomas del Paraguay.
Los jesuitas utilizaron el teatro y el arte en general con una única finalidad: recurso didáctico para convertir al cristianismo a los "infieles". Y proclamar la Gloria de Dios.
VII
LA PASION DE CRISTO Y LA FIESTA DEL SANTO PATRONO
Los habitantes católicos de la colonia continuaran con la presentación de la "Pasión de Cristo" y "La Fiesta del Santo Patrono". La música religiosa será transmitida de generación a generación. Con el transcurrir del tiempo, será recreada por el pueblo y contribuirá a generar los rasgos primogenios de nuestra música popular. Durante la conquista y la colonia, muy pocos llegaron a leer libros que no sean la Sagrada Escritura. Esta circunstancia lleva a mantener la práctica de conservar en la memoria, lo aprendido de los instruidos y lo aprendido de los antepasados con la narración oral.
En la capital, no se registra experiencia escénica con obras en guaraní, antes de la independencia, ni después, hasta llegar a nuestro siglo. CARLOS ANTONIO LÓPEZ llegó a impulsar el teatro nacional contratan do al publicista español ILDEFONSO BERMEJO que llegó a estrenar "Un Paraguayo Leal" de su autoría. Y contrató al arquitecto italiano ALEJANDRO RAVIZZA para la construcción de un nuevo teatro, "cuyo plano reproduce en planta y alzada, las líneas del Scala de Milán, según unos; de la Opera de París, según otros", escribe JOSEFINA PLÁ.
La Guerra contra la Triple Alianza dejará trunco para siempre aquel proyecto del patriarcal CARLOS ANTONIO LÓPEZ.
VIII
MARGINACIÓN DEL GUARANI EN LA RECONSTRUCCION DEL PAIS
Durante el proceso de reconstrucción, nuestro país -1870- el idioma guaraní comenzará a sufrir la marginación como idioma en las instituciones educativas. Y las manifestaciones artísticas privilegiadas por los círculos de la esfera, social predominante, serán las del exterior. Influirá fuertemente el pedagogo DOMINGO FAUSTINO SARMIENTO en los dirigentes políticos y en los intelectuales positivistas que en nuestro país ejercían el poder y formulaba la filosofía de la educación paraguaya. El castellano será declarado único idioma nacional. Pero la población no instruida o instruida en un nivel elemental que comprendía a casi el 90% de la población, continúa siendo guaraní hablante.
IX
PRECURSORES DEL TEATRO PARAGUAYO EN GUARANI
En nuestro siglo, en los años que transcurren de 1915 a 1933, tres poetas serán quienes intentarán dar fisonomía al teatro paraguayo en guaraní. Son ellos: RIGOBERTO FONTAO MEZA , FRANCISCO MARTÍN BARRIOS y FÉLIX FERNÁNDEZ. Los textos de los dos primeros no se han podido todavía rescatar. Los del tercero conserva su hijo. FRANCISCO MARTÍN BARRIOS estrenó su obra en el Teatro Granados, el 18 de octubre de 1922. Se titula "MBORAYHU HA TESAY". FÉLIX FERNÁNDEZ, estrenó la suya en el Teatro Municipal, en 1928. Se titula "MBORAYHU PAHA".
Los mencionados autores llegaron a desarrollar una intensa actividad escénica con elencos en los que al mismo tiempo cumplían las funciones de autor, director, actor y empresario.
Entonces no había todavía actrices ni actores profesionales y se formaba cada elenco con personas que encontraban en la actividad escénica la oportunidad para canalizar su vocación artística: poetas bailarines, músicos.
Los autores que se lanzaron a abrir la ruta al teatro paraguayo en guaraní simbolizan en nuestra cultura esa etapa del romanticismo, que llegó a desafiar a la esfera "culta" de nuestra sociedad, que entonces rechazaba las manifestaciones artísticas que se originaban en las áreas populares y rescataban las auténticas vivencias e inquietudes colectivas en la lengua nativa.
RIGOBERTO FONTAO MEZA nació en San Pedro del Paraná en 1900 y murió en Asunción en 1936. Fue novelista, poeta y autor teatral. Llegó a publicar dos libros: "INFIERNO Y GLORIA", sobre la Guerra del Chaco y "HOJAS MUSTIAS", de cuentos breves. En la "SOCIEDAD ITALIANA" estrenó en 1928 un drama de contenido social "SUFRAGIO". Y después escribió las siguientes obras más: "MINA VERDE", drama sobre el yerbal: "OJE CASTIGA’ỸVA", comedia y "PYTAGUA CHE RETÃME", drama.
FRANCISCO MARTÍN BARRIOS nació en San Juan Bautista de las Misiones en 1893 y murió en Asunción en 1938. Hermano de AGUSTÍN, HÉCTOR y VIRGILIO BARRIOS. Acompañó a su hermano AGUSTÍN BARRIOS en sus giras por América Latina y Europa, como glosista y poeta.
En castellano escribió dos dramas: "LA CHISPA ROBADA" y "MARISCAL LÓPEZ". Luego escribió en guaraní las siguientes obras: "SINFOROSA" y "KARAI OCTUBRE". Además el ya citado drama: "MBORAYHU HA TESAY".
FÉLIX FERNÁNDEZ nació en Itauguá el 18 de mayo de 1899 y murió en FÉLIX PÉREZ CARDOZO, el 13 de noviembre de 1984.
Músico, poeta y autor teatral. Escribió todas sus obras en guaraní. Son las siguientes: "JUÉ OKÁRA", "MAINUMBY", "¡HA SAIHOVY!", "PARAGUAY MEMBY", "OKARAGUÁPE, OKÁRA" y "JACINTA, MAMERTA HA LEANDRO". Para los niños escribió: "PERU’I", "ESCUELERO", "NDAVYAI ECUÉLAPE". Además es fundador y director del elenco teatral "CHACO", desde 1926 hasta 1930.
X
FUNDADORES DEL TEATRO PARAGUAYO GUARANI
A estos precursores, sucederán otros tres autores que conseguirán dar definitiva fisonomía e identidad al teatro paraguayo en guaraní, en el género de la comedia, el drama y la tragedia, sustantivando el humorismo, la ética y el fuego revolucionario.
Son ellos: JOSÉ L. MELGAREJO, ROQUE CENTURIÓN MIRANDA y JULIO CORREA.
JOSÉ L. MELGAREJO es el que proyectara a nivel de gran espectáculo artístico la VELADA. De su mano surgirán los creadores y los intérpretes más prestigiosos de la poesía, el humorismo, el canto y la música popular.
SANTIAGO CORTESI, DIOSNEL CHASE, MÁXIMA LUGO, DORA y ELVA DEL CERRO, RAMÓN GAMARRA, SILVIO RIVAS -PÁNFILO-, JUAN MELGAREJO y José KA’I, el último sobreviviente de esta generación.
Proseguirán: EMILIO BOBADILLA CÁCERES , JOSÉ MEDINA , PEDRO BARBOZA, JUAN MAIDANA, y otros.
JOSÉ L. MELGAREJO llegó a grabar en disco sus parodias del cancionero paraguayo con su elenco musical "FIESTA FOLKLÓRICA CAMPESINA". También dejó muchas obras de teatro breve, creadas por su aguda criticidad y asombrosa facilidad para el humor detonante. De sus creaciones existen versiones que van pasando a los demás cultivadores del género VELADA, donde con la técnica de la improvisación sufren transformaciones.
Hasta hoy se recuerda su ingeniosidad para satirizar las situaciones más paradójicas de la política nacional. Sabe rescatar cualquier acontecimiento, para volverlo a resemantizar con su humor. Una anécdota: El Presidente de la República del Paraguay, Dr. FEDERICO CHAVES, recibiría la visita del Presidente de la República Argentina, general JUAN DOMINGO PERÓN. JOSÉ L. MELGAREJO, dispara su humor. Y dice: "CHAKEKO ÑANDE CHAVI ÑANE PERÕTA". Tenía la precisa intuición para captar el sentimiento del pueblo y realizar su traducción al lenguaje del humorismo crítico, irreverente a lo consagrado y establecido de la clase dominante de nuestro país. Realizaba presentaciones de su VELADA en la capital y el interior del país. Hacía sus giras en carreta y a caballo; en tablados improvisados, su espectáculo iluminaba con lámpara "mbopi" o velas.
Nació en San Lorenzo el 13 de marzo de 1897.
ROQUE CENTURIÓN MIRANDA, se destaca con el perfil del hombre de teatro que hacía confluir en una misma dirección: al actor, al director, al autor y al educador escénico. Ya desde temprana edad se distingue por su vocación artística en su ciudad natal: Karapegua. Sin embargo, primero conquistará su consagración en el canto y en el fútbol. A los 26 años se va a estudiar arte escénico en España y en Francia, becado por el presidente Eligio Ayala. Retorna a los dos años. Desde entonces, tiene una única misión: la dignificación y la profesionalización de la actividad escénica nacional. Para este fin apasionadamente y sin tregua, invierte la vigilia de su vida en la enseñanza. No le tienta la industria del lucro fácil, ni le seduce la obsecuencia que promueven los partidos políticos. El arte escénico que tiene como meta desarrollar en nuestro país precisamente tiene como principio el humanismo universal integrado en lo paraguayo y lo paraguayo proyectado al universal humanismo. El ser humano tiene su origen divino universal, pero con el sello de la particularidad cultural de su patria. Por eso, su vocación artística tiene como eje de su manifestación: la ética. Y como primordial cauce para su crecimiento: la educación. Y como síntesis: la estética.
"EL TEATRO ES LA MISA DEL ARTE", repetía en clase. En la presentación de una obra, se oficiaba el rito de la comunión de las almas. Esta actitud religiosa en el arte recibía de su Fe Bahai. La que a la vez guiaba sus pasos en el teatro. Sostenía que la formación del actor debe partir del crecimiento humano y concluir en el crecimiento artístico, con un sagrado compro-miso, con la verdad, el bien y la belleza.
Estrena su primera obra en 1926: "CUPIDO JUGANDO", comedia en tres actos. "EPISODIOS CHAQUEÑOS" en 1932, en coautoría con JOSEFINA PLÁ. También con ella difundió su teatro radial "PROAL". Y prosigue con la misma la creación de otras obras: "AQUÍ NO HA PASADO NADA", "JOSÉ DE ANTEQUERA Y CASTRO", "DESHEREDADOS", "LA HORA DE CAÍN" y "SOBRE EN BLANCO". "TUJU" estrena en 1933. Sus últimas obras son: "CHE TAPYĨ", con música de JOSÉ ASUNCIÓN FLORES; "LA VIDA COMIENZA MAÑANA". Revista en seis cuadros. Publica: "PRINCIPIOS DE DICCIÓN" en 1955.
Participó en dos películas: "CODICIA" y "EL TRUENO ENTRE LAS HOJAS". Como actor fue figura principal en la obra "MBORAYHU PAHA", de FÉLIX FERNÁNDEZ, con CRISTINA GÓMEZ y DARÍO GÓMEZ SERRATO, estrenada el 6 de junio de 1926. La última obra en la que intervino como actor y director fue en "LA ZORRA Y LA UVA", del brasileño GUILLERMO FIGUEREDO, en 1959, en el Teatro Municipal "Dr. Ignacio A. Pane".
Fue fundador del Elenco "CHACO", el "TEATRO DEL PUEBLO", la "COMPAÑÍA PARAGUAYA DE COMEDIAS" y la "ESCUELA MUNICIPAL DE ARTE ESCÉNICO" cuya dirección ejerció hasta su muerte, acompañado por un prestigioso y solidario cuerpo docente: JOSEFINA PLÁ, MARIANO MORÍNIGO, REINALDO DECOUD LARROSA, AGRIPINA VOITENCO, MANUEL E. B. ARGÜELLO. Entre otros. La publicación de la obra "TUJU" debo a VICTORIANO BÁEZ IRALA, quien me ha facilitado su "LIBRETO". Escribe FRANCISCO PÉREZ MARICEVICH: "CON TUJU" hay que iniciar la etapa testimonial de este teatro -1932/1947-segmento histórico que se halla cubierto con la creación apasionadamente verista y revolucionaria de JULIO CORREA. A su vez afirma CARLOS R. CENTURIÓN: "ROQUE CENTURIÓN MIRANDA" es uno de los verdaderos creadores del teatro paraguayo. "Piedra angular del teatro vernáculo". "Ha dado jerarquía al teatro paraguayo contemporáneo".
Con ROQUE CENTURIÓN MIRANDA, el teatro paraguayo en guaraní había llegado asegurar sus pasos en la ruta de su autonomía estética y su penetración sin interferencia en el alma nacional popular.
Llegaba al escenario: la realidad del pueblo en su idioma común, con imagen y vivencia que tenía sus raíces en la colonia, recorrió la fugaz aurora de la emancipación, para resurgir en nuestro siglo, después de atravesar la reconstrucción de nuestra nación, tras la hecatombe de Cerro Corá, sin más restricción que la que dicta el momento histórico en marcha.
JULIO CORREA llega después, para profundizar más todavía el teatro paraguayo en guaraní y lanzar a este idioma como rayo en el escenario, con una raigal y encendida ternura hacia los desheredados y concentrada indignación contra los terratenientes, políticos, jueces y abogados que reprimen y despojan de sus tierras a los indefensos campesinos.
Estrena su primera obra: "SANDIA YVYGUY" en enero de 1933. Denuncia en la misma a los favorecidos que no van a defender su patria en la Guerra de Chaco y abusan de su privilegio económico y político, para satisfacer sus fines abyectos. Una obra que se inscribe en el género del teatro breve. Aún así, concentra tanta pasión y grito contra la injusticia que los personajes tienen la dignidad de los héroes de la tragedia griega.
En "SANDIA YVYGUY" está definida la veta de autor revolucionario que será JULIO CORREA. Tímido, irónico, rehúye la promiscuidad de la erudición retórica, pero observa y escucha a los hombres y las mujeres del pueblo. Se integra a su cotidiano trajín. Registra en su pensamiento y en su corazón sus sentimientos, sus ideas y sus gestos. Lee en el libro de la memoria popular. Interioriza sus vicisitudes. El modo de expresar sus impresiones, con una fascinante autenticidad. Revela la realidad humana social, política, económica y cultural del país, desde la perspectiva de los sectores condenados a una vida de carencia crítica.
La estructura de su obra se sitúa al margen de toda corriente estética del exterior. Sin embargo, madura una dramaturgia que se ubica a la altura de "FUENTE OVEJUNA" de LÓPEZ DE VEGA, "TARTUFO" de MOLIÈRE o “BARRANCA ABAJO" de FLORENCIO SÁNCHEZ.
Con JULIO CORREA, el teatro paraguayo guaraní sacude la autosuficiencia de los intolerantes hacia el idioma ancestral y recibe la unánime identificación del pueblo con sus obras. A su condición de autor, se debe señalar que se prodigaba como actor virtuoso y director escénico que sabía imprimir rigor en la veracidad de los personajes. Por último, no se puede desconocer el pedagogo que fue en el arte escénico nacional, donde maduraron su vocación actoral, prestigiosas figuras del teatro paraguayo como ERNESTO BÁEZ, TEODORO S. MONGELÓS, ANÍBAL ROMERO y la musa morena de "NDE RESA KUARAHY’ÃME": MIRRA VENEROSO. Con su libro de poesía "CUERPO Y ALMA" da un hachazo al modernismo y romanticismo poético de su tiempo. También llegó a escribir tres cuentos. Y queda por rescatar "dialoguitos callejeros".
NÉSTOR ROMERO VALDOVINOS escribió en 1980 sobre "KARU POKÃ". “Que tablados y escenarios vuelvan a serle propicio a esta obra cumbre del padre del teatro guaraní”.
JULIO CORREA nació en Asunción el 30 de agosto de 1890 y murió en Luque el 14 de julio de 1954. GEORGINA MARTÍNEZ fue la esposa que al mismo tiempo llegó a protagonizar todas sus obras estrenadas. Notable mujer de estirpe campesina que ante la posibilidad de que fuera destruida la creación literaria de su esposo: (20 comedias y dramas, poesías y cuentos) creó el Museo Julio Correa. La que actualmente conserva su hijo: el Dr. JULIO CORREA (h) en la Casona de la Ciudad de Luque.
XI
CRECIENDO EN PROYECCION Y PROFUNDIDAD EN LA INTERPRETACION DE LA VIDA
El teatro paraguayo en guaraní seguirá creciendo en proyección y profundidad en la interpretación de la vida humana, social y nacional. Nuevamente se revelan tres autores con firme pulso en el oficio de la fabulación teatral. Son ellos: EZEQUIEL GONZÁLEZ ALSINA , NARCISO R. COLMÁN (ROSICRÁN) y NÉSTOR ROMERO VALDOVINOS. Los tres son igualmente como los autores ya mencionados, poetas que perennizaron sus nombres en el cancionero y la poesía.
EZEQUIEL GONZÁLEZ ALSINA se inicia en el teatro con las obras que se sitúan en el género de la "comedia de suave dramatismo" como acertadamente define. JOSEFINA PLÁ. Y en un elegante castellano. Pertenece a la generación de 1940. Se acostumbraba a usar como seudónimo artístico: GASTÓN CHEVALIER PARÍS. Tempranamente ya sobresalía por su formación intelectual y profesional. Abogado y político, periodista y ensayista sobre temas de nuestra realidad histórica. Su alma y su talento de escritor fue seducida por la pasión política. "El destino siempre gana la apuesta de la vida", dice MANUEL ORTIZ GUERRERO. Y es cierto. Porque su contribución al teatro nacional en sus dos vertientes lingüísticas, castellana y guaraní, tiene adquirida una firme posición en el panorama del teatro paraguayo.
EZEQUIEL GONZÁLEZ ALSINA estrena su primera obra "LA QUIJOTESA RUBIA" en 1944. Y poco después: "EL GRAN RIVAL". Dirige LEANDRO CACAVELOS, con la Compañía del Ateneo Paraguayo.
Estrena después de 1947. "LEJOS DE LAS CASAS ALTAS", "BOLÍ", "ÑA PATRICIA" y la obra que presentamos en esta antología: "Y’REMBE’YPE". Sus tres primeras obras fueron escritas en castellano.
Tiene como denominador común la atmósfera de la comedia que aterrizaba en un realismo donde se enfatizaba la crítica moral, obviando la profundización y acentuando la prolijidad de la acción y el diálogo que entonces llegaba del teatro español a nuestro país, con autores como JACINTO BENAVENTE, JOAQUÍN CALVO SOTELO, JOSÉ MARÍA PEMÁN y ALEJANDRO CASONA.
Tal vez se dio cuenta EZEQUIEL GONZÁLEZ ALSINA. Y en sus tres obras siguientes, dio un giro hacia nuestra realidad nacional, con una mirada más intensa y un análisis más complejo. Al mismo tiempo, utiliza el guaraní paraguayo. Así llega a dar "BOLÍ", "ÑA PATRICIA" y "Y’REMBE’YPE". Latido dramático que golpea la sensibilidad y penetra en las raíces de la cultura popular. El guaraní robustece el conflicto de las obras y acrecienta el humanismo de los personajes en lucha consigo mismo, ante los problemas que emergen de la realidad histórica girando siempre en el vértigo de la adversidad y la esperanza de redención.
EZEQUIEL GONZÁLEZ ALSINA nació en San Lorenzo del Campo Grande, el 12 de enero de 1919 y murió en Asunción en 1989. Expreso mi gratitud al profesor FRANCISCO DÍAZ, quien me cedió de su archivo "Y’REMBE’YPE".
NARCISO R. COLMÁN (ROSICRÁN), el fundador de la literatura paraguaya en guaraní, no podría estar ausente en el vigoroso crecimiento del teatro nacional en guaraní. Antropólogo autodidacta, primer novelista, mito poético, poeta de selvática sabiduría filosófica, primer recopilador del ñe’ẽnga popular humorístico, creador de la primera gramática guaraní en nuestro siglo y de un diccionario trilingüe: guaraní, castellano, alemán. Con linterna y pantalla presentaba espectáculo que simulaba proyección cinematográfica con efecto de sombra china. Fue telegrafista, juez de paz.
Realizó la primera antología de la poesía paraguaya en guaraní, rescatando poesías de sus contemporáneos. Fue sin embargo un hombre de una vida de vitalicia pobreza asumida con ejemplar dignidad. Publicó su primer poemario en guaraní: "OKÁRA POTY" en 1917. Y lo reeditó en dos volúmenes en 1921; "MIL REFRANES GUARANÍES" y "ÑANDE YPYKUÉRA" en 1929; "ÑE’ẼNGA ROVYŨ" en 1934; "NUESTROS ANTEPASADOS", traducción de la novela mito - poética "ÑANDE YPYKUÉRA" en 1937. Tradujo al guaraní "EL NUEVO TESTAMENTO". Y dejó poemas inéditos. En 1947 escribió su obra teatral "KAMBA NAMBI", no estrenada hasta la fecha. En la obra de admirable género costumbrista, rescata y recrea la indeclinable firmeza de la honradez y la projimidad campesina, siempre victima de los inescrupulosos y desalmados malvivientes, habituados a vivir de lo ajeno.
La rica y vital cultura campesina y el guaraní melodioso y selvático vierte su sinfonía mágica en esta obra. Su viuda conserva en su memoria todas sus poesías. Le sobreviven tres hijos: Florencio, Juan y Narciso R. (h). Este último, silencioso y noble compositor de alegre y sentida melodía.
NARCISO R. COLMÁN nació en Yvytymi el 29 de octubre de 1878 y murió en Asunción en 1954. En el libro "OFRENDAS LÁUREAS" se documentó el homenaje que recibió de los escritores, poetas y músicos en abril de 1950 en su pueblo natal Yvytymi, donde fue proclamado "Gloria Nacional".
NÉSTOR ROMERO VALDOVINOS es el último autor que incluimos en esta "ANTOLOGÍA DEL TEATRO CLÁSICO EN GUARANÍ". Poeta, maestro del periodismo paraguayo y rioplatense, libretista que dio altura a la radiofonía, autor teatral bilingüe, ser humano que no tenía sosiego cuando se trataba de dar y darse. Esto que escribió para JULIO CORREA, podría servir con toda justicia a la eterna nostalgia que impregnaba su vida, como un nocturno aroma de jazmín: "Dolíale su pueblo, su tierra, su Patria...". Y como no le iba doler. Si amaba demasiado. Y no se trataba de un amor ciego.
Al contrario, era el amor que encendía la lucidez, el desvelo de ahondar el ser en la callada reflexión sobre la condición humana y la injusticia social que sin piedad ceñía como una soga la vida de los desheredados. Sin embargo, era demasiado noble para odiar y demasiado digno para claudicar. Por eso, le dolió profundamente la reacción de JOSÉ A. FLORES, con motivo de la polémica provocada por algunos obsecuentes de la dictadura, al pretender atribuir a MANUEL ORTIZ GUERRERO la creación de la guarania. Al maestro le habían dado una información desvirtuada del curso de esta aberrante pretensión y la calumnia de mucha vigencia en el espectro de los exiliados, encontró una víctima propiciatoria en NÉSTOR ROMERO VALDOVINOS. Hago esta aclaración haciendo justicia a la memoria de este dramaturgo. A la vez me impulsa el propósito de que no vuelva a repetirse situaciones de esta naturaleza. Y hablar de NÉSTOR ROMERO VALDOVINOS es hablar de Maruja: Hada invidente y visionaria de su vida, al mismo tiempo.
NÉSTOR ROMERO VALDOVINOS escribió toda su vida. Y murió sin haber publicado sus obras. Su excesiva modestia le llevaba a no preocuparse de sus creaciones literarias, más allá de la necesidad de responder al parto de la obra que solicita nacer.
Desde 1941 hasta 1944 se transmitió de lunes a sábado, a las 8.00 horas, en vivo, con interpretación de ANÍBAL ROMERO, su libreto radial que tituló: "LA TARDE QUE SE VA... ". Y fueron conductores: ALEX SOLBERG, NELLY PRONO, CARLOS BANKS y JACINTO HERRERA.
Después comienza a escribir para el teatro: "MÁS ALLÁ DEL RÍO", "HILARIO EN BUENOS AIRES", "EL NUEVO COMISARIO", estrenadas por la Compañía Báez-Reisofer-Gómez. Son obras que se inscriben en el género de la comedia y el drama. Y escritas en castellano.
En el exilio, en la década de 1960 a 1970, escribe su siguiente obra, en guaraní paraguayo, que originalmente tenía como título: "EL CAUDILLO". Después cambia por el de "MBOKAJA HA’EÑO". Primeramente estrenada en la capital porteña con elenco paraguayo. En mayo de 1976, el Teatro Estudio Libre la estrena en Misión de Amistad. Y mantiene en su repertorio durante nueve años.
Fue representada en gira en el interior del país, en la capital y en el Teatro "Antonio Ruiz de Montoya" de la ciudad de Posadas. Posteriormente escribió: "POETA, LEPROSO Y OBRERO", con motivo del 50 aniversario de la muerte de MANUEL ORTIZ GUERRERO.
Fue estrenada en el Auditorio del Teatro Goethe, con el Grupo Juglares y el Teatro Estudio Libre. Y después presentada en el club "El Porvenir" de la ciudad de Villarrica. Se mantuvo en repertorio durante dos años, con representaciones en colegios, parroquias de la capital y el interior de país.
Su última obra "ME LLAMAN EL ARRIBEÑO", pertenece al género de la zarzuela, con música de FLORENTÍN GIMÉNEZ. Y estrenada en el Teatro Municipal "Dr. Ignacio A. Pane" con la dirección de CARLOS GÓMEZ, con el protagonismo de ALBERTO DE LUQUE y BLANCA NAVARRO. Escribió muchas obras breves, entre monólogos y veladas. Hemos rescatado "CHOKOKUE PURAHEI".
"MBOKAJA HA’EÑO" es un drama social de profunda fuerza que llega a la atmósfera de la tragedia con escenas de patético humorismo, originado por el personaje "Juancito". Un adolescente ingenuo que había presenciado el asesinato del hermano de Luisa, novia de infancia de Juan Andrés que regresa del exilio y hermano de Manuel, caudillo político que perseguía a los opositores. Ña María, símbolo de la patria, se debate en la impotencia por la división de sus hijos.
NÉSTOR ROMERO VALDOVINOS tenía las dos condiciones esenciales para elevar a un nivel estético universal el teatro paraguayo en guaraní. Una sedimentada cultura teatral clásica y moderna, como asimismo un profundo conocimiento de la realidad histórica nacional. Esta formación, le permitió elevar el idioma guaraní a una altura literaria que hasta entonces no había alcanzado. Y hasta hoy no tiene equivalencia.
NÉSTOR ROMERO VALDOVINOS nació en Asunción, el 26 de mayo de 1916 y murió el 17 de Noviembre de 1987.
XII
EL LECTOR SABRÁ PENETRAR
En las cinco obras seleccionadas para esta ANTOLOGÍA DEL TEATRO CLÁSICO EN GUARANÍ, se rescata a los autores más representativos. No se agota la nómina. El lector sabrá penetrar en la plural y a la vez unánime fidelidad de estas creaciones, a la inagotable pasión de nuestro pueblo: por la libertad, la justicia, la equidad, el amor a la vida y a la patria. Y su apertura al común ideal que tiene como meta el bien común en democracia y la real vigencia del Estado de Derecho.
Barrio San Vicente 18/febrero/1998.
RUDI TORGA
ÍNDICE:
1.- JULIO CORREA – KARU POKÃ: Drama Social en 3 Actos – Tetãgua Chokokue Rembiasa / Tekochauka Mbohapy Ñemohendapyre.
2.- NARCISO R. COLMÁN (ROSICRÁN) – KAMBA NAMBI: Drama en 3 actos (Capataz Gregorio regalokue) / Teko rembiasa asy mbohapy jepytu’upe.
3.- EZEQUIEL GONZÁLEZ ALSINA - ÝREMBE’YPE: Comedia cómica en tres actos (Teko rechauka retia’e mbohapy pytu’upe ijapohare)
4.-NÉSTOR ROMERO VALDOVINOS – MBOKAJA HA’EÑO: Drama en 3 actos (Teatro “Estudio Libre” de la Misión de Amistad. Temporada 1974)
5.- ROQUE CENTURIÓN MIRANDA – TUJU: Drama en 3 actos, en guaraní.
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Etiquetas: EZEQUIEL GONZÁLEZ ALSINA, HISTORIA DEL TEATRO CLÁSICO EN GUARANÍ, JULIO CORREA, NARCISO R. COLMÁN, NÉSTOR ROMERO VALDOVINOS, ROBERTO GOIRIZ, RUDI TORGA
fuente
http://poesiasenguarani.blogspot.com/2010/05/rudi-torga-antologia-del-teatro-clasico.html
OPERA ITALIANA. GALA LIRICA, GUATEMALA 2011
ORQUESTA SINFONICA NACIONAL
Patrimonio Cultural de la Nación
VII Concierto Temporada Oficial 2011
GALA LIRICA DE OPERA ITALIANA
Dedicado al 60 aniversario de Prensa Libre
Jueves 11 de agosto 20:00 horas, Teatro Nacional
Admisión Platea Q100.00, Balcón I Q70.00, Balcón II Q50.00
Viernes 12 de agosto 19:00 horas, Conservatorio Nacional
Admisión Platea Q100.00, Balcón Q70.00
Director Invitado: Angel del Palacio
Solistas Invitados: Tita Maegli, Eliomín Zelaya, Juan Luis Gramajo, Luis Girón May
Jessika Arévalo, Verónica Lottmann, Daniel Barreda.
Coros Invitados: Coro Nacional, Director Julio Pirir
Coro Victoria, Director Julio Santos
Coro Juvenil, Director José Alfredo Quiroa
Coro Esperanza Juvenil, Directora Dalila Azurdia
Coro del Centro Español, Director Julio Santos
Coro Leo, Director Leonel Vásquez
Preventa de Boletos: Oficinas de la Orquesta Sinfónica Nacional: Edificio del Conservatorio nacional, 3ª. Avenida y 5ª. Calle zona 1. En taquilla la noche del concierto. Tel. 22539023
www.osndeguateestl.es.tl
PROGRAMA:
GRANDES ESCENAS DE LAS GRANDES OPERAS:
VERDI – IL TROVATORE – act cuarto escena primera
DONIZETTI – LUCIA – act tercero,escena primera
Intermedio
VERDI – AIDA – acto cuarto, escena final
VERDI – RIGOLETTO – la donna e mobile y cuarteto
Repartos
VERDI - IL TROVATORE
Leonora – Tita Maegli
Manrico – Eliomin Zelaya
Ruiz – Juan Luis Gramajo
Conde de Luna – Luis Giron May
DONIZETTI - LUCIA DI LAMMEMOOR
Raimondo – Luis Giron May
Lucia – Jessika Arevalo
Enrico – Luis Giron May
VERDI – AIDA
Aida – Tita Maegli
Radames – Eliomin Zelaya
Amneris – Agnes Kretzschmar
VERDI – RIGOLETTO
Rigoletto – Luis Giron May
Gilda – Veronica Lottmann
Il duca – Daniel Barreda
Maddalena – Agnes Kretzschmar
Coro en las cuatro escenas
Jaime Rodolfo Sánchez
Comunicación Social OSN
Cel. 52837714
www.osndeguateestl.es.tl
Patrimonio Cultural de la Nación
VII Concierto Temporada Oficial 2011
GALA LIRICA DE OPERA ITALIANA
Dedicado al 60 aniversario de Prensa Libre
Jueves 11 de agosto 20:00 horas, Teatro Nacional
Admisión Platea Q100.00, Balcón I Q70.00, Balcón II Q50.00
Viernes 12 de agosto 19:00 horas, Conservatorio Nacional
Admisión Platea Q100.00, Balcón Q70.00
Director Invitado: Angel del Palacio
Solistas Invitados: Tita Maegli, Eliomín Zelaya, Juan Luis Gramajo, Luis Girón May
Jessika Arévalo, Verónica Lottmann, Daniel Barreda.
Coros Invitados: Coro Nacional, Director Julio Pirir
Coro Victoria, Director Julio Santos
Coro Juvenil, Director José Alfredo Quiroa
Coro Esperanza Juvenil, Directora Dalila Azurdia
Coro del Centro Español, Director Julio Santos
Coro Leo, Director Leonel Vásquez
Preventa de Boletos: Oficinas de la Orquesta Sinfónica Nacional: Edificio del Conservatorio nacional, 3ª. Avenida y 5ª. Calle zona 1. En taquilla la noche del concierto. Tel. 22539023
www.osndeguateestl.es.tl
PROGRAMA:
GRANDES ESCENAS DE LAS GRANDES OPERAS:
VERDI – IL TROVATORE – act cuarto escena primera
DONIZETTI – LUCIA – act tercero,escena primera
Intermedio
VERDI – AIDA – acto cuarto, escena final
VERDI – RIGOLETTO – la donna e mobile y cuarteto
Repartos
VERDI - IL TROVATORE
Leonora – Tita Maegli
Manrico – Eliomin Zelaya
Ruiz – Juan Luis Gramajo
Conde de Luna – Luis Giron May
DONIZETTI - LUCIA DI LAMMEMOOR
Raimondo – Luis Giron May
Lucia – Jessika Arevalo
Enrico – Luis Giron May
VERDI – AIDA
Aida – Tita Maegli
Radames – Eliomin Zelaya
Amneris – Agnes Kretzschmar
VERDI – RIGOLETTO
Rigoletto – Luis Giron May
Gilda – Veronica Lottmann
Il duca – Daniel Barreda
Maddalena – Agnes Kretzschmar
Coro en las cuatro escenas
Jaime Rodolfo Sánchez
Comunicación Social OSN
Cel. 52837714
www.osndeguateestl.es.tl
TALLER IMPROVISACIÓN TEATRAL (PRINCIPIANTES) GUATEMALA 2011
Taller de Improvisación teatral (nivel principiantes)
Javier Monge (Costa Rica)
El Centro Cultural de España en Guatemala e Impronunciables “Impro Teatral Guatemala” tienen el gusto de invitarle al Taller de improvisación teatral que impartirá Javier Monge director del grupo de teatro costarricense IMPROMPTU.
Fechas: 16 al 19 de agosto
Horario: 15:00 a 18:00
Lugar: CCE/G (Vía 5, 1-23, Grados Norte, zona 4, Ciudad de Guatemala)
Tels. 2385-9066 / 67 / 70
Participación gratuita. (Ver requisitos)
Dirigido a: actores o estudiantes de actuación, conductores de televisión, estudiantes de comunicación, locutores, público general interesado en la técnica impro y con deseos de aprender técnicas de actuación y comedia.
Para participar enviar currículum vitae y carta de motivación al correo electrónico: formacion@ccespana.com.gt o impronunciables@gmail.com o al Centro Cultural de España en Guatemala, con atención a Formación, antes del 15 de agosto. Los participantes del taller serán notificados vía mail o por teléfono.
Más información en documento adjunto.
Juan Antonio Martinez Mateo
Gestión Cultural
Centro Cultural de España en Guatemala
Via 5, 1-23 Zona 4, Ciudad de Guatemala
Tel/Fax: (00502) 23859066/67/70
gestion@ccespana.com.gt
www.cceguatemala.org
--
Teatrer@s Chapin@s
teatreros.chapines@gmail.com
Guatemala, Centro América
GRUPO TEATRAL GERMINAL NUEVOARTEATRO URUGUAY 2011
GRUPO TEATRAL GERMINAL
"LA ZAPATERA PRODIGIOSA"
de LORCA
en la Sala NUEVOARTEATRO
URUGUAY
foto
fuente
perfil facebook
GRUPO TEATRAL GERMINAL
domingo, 7 de agosto de 2011
VEN A MI MAGIA ARTES MÁGICAS (ILUSIONISMO) DE CESAR GUATEMALA 2011 SOLO TEATRO
Especial Invitacion
"VEN A MI MAGIA"
Es la invitación que César especialista en las Artes mágicas de Guatemala, lleva a escena en el mes de Agosto y septiembre, los días sábados a las 16:00 hrs y los domingos 11:00hrs en Solo teatro (Av. Las Américas 7-20 z. 13).
Ven a mi Magia, es un espectáculo que reúne lo mejor del repertorio de César a lo largo de 32 años de ser un Ilusionista internacional. Apariciones, desapariciones y trasformaciones presentadas con un fino montaje, que hacen a los ojos, maravillarse y formar parte de esta fantasía mágica.
César continuamente viaja con sus propuestas teatrales por Latinoamérica, el año pasado viajo por varias ciudades de Colombia, con su espectáculo: Cuentos de Amor y Magia y fue invitado al Festival del maíz en El Salvadora cerrar el festival, con su Montaje, El contador de Historias.
Si usted quiere entretenerse y disfrutar de un momento de alegría y asombro, puede venir solo, pero mejor si lo hace con la familia a ver: “Ven a mi Magia” y por unos instantes su vida puede cambiar y llenar su espíritu de energía para el diario vivir. César lo espera en “Ven a mi Magia”
Agradeciendo la divulgación, del presente boletín de carácter cultural.
El Mundo de La Ilusión.jpg
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Atentamente,
Nadia Escobar
Krea Ilusiones
Imaginamos para ti!
Telefono 5313-0826 / 2258-1515
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